Ya me vale haber tardado cuatro años en comprar el único disco en la carrera del MC de Nueva Jersey, Dave Ghetto pero es que hay tantas cosas por ahí y procedentes de tantas músicas que, muchas veces, no doy abasto y tampoco es que me sobre el dinero. Bueno, el caso es que por fin lo tengo y me alegro infinitamente porque un tío que ha trabajado para los Roots y Mos Def no puede ser malo. Y efectivamente, "Love Life?" puede presumir de ser uno de los mejores discos de hip-hop de los últimos años. Con un gran flow y unos beats repletos de referencias jazz y soul, Ghetto desarrolla su estilo elegante de ver el rap durante todos y cada uno de los brillantes cortes del álbum. No obstante, este efecto también se consigue gracias a los productores y colaboradores de los que se rodea y le arropan en todo momento logrando instrumentales muy conseguidos. Por ahí encontramos a gente tan reputada como Illmind, 9th Wonder, Cee-Lo Green, Tony Galvin y Phonte de los Little Brother. Es más, numerosos artistas del mundillo alaban este disco, sin que falten en esta lista Dj Jazzy Jeff, Jack Splash de Plantlife o Bahamadia. En fin, un trabajo que hará que te desesperes cuando hables de hip-hop con alguien y te conteste que sólo conoce a Eminem. Claro, no me extraña que la gente tenga una visión negativa de este género si desconoce joyitas como esta.

Mucho trabajo le ha costado a Victor Démé sacar su primer disco. El exilio de su Burkina Faso natal y la explotación laboral han sido su pan de cada día hasta hace relativamente poco. Sin embargo, mientras por el día trabajaba, por las noches recorría los clubes buscando sitios donde actuar. Así, con ayuda de un promotor de conciertos y de algún amigo periodista, en 2007 pudo fundar un pequeño sello, Chapa Blues, que le serviría de lanzadera para preparar su debut que finalmente llegaría el año pasado. "Victor Démé", el álbum, no el artista, es una obra intimista, que bebe tanto de las raíces mandingas de su país, como del folk y del blues africano de Ali Farka Touré, todo ello con una voz, imposible de describir acertadamente con palabras, emocionante como pocas. El otro factor que destaca es el de unas letras comprometidas con su realidad social, con la mujer africana, con la solidaridad, la pobreza, la marginación y la tolerancia. Disco crudo e intenso que supera, sin apenas medios y con creces, a la mayoría del todopoderoso mainstream arenbí estadounidense. Es más, me atrevería a decir que esto sí es música negra y aquello, no, pero esto ya es otra discusión. Escuchad a Victor Démé y dejaos mecer por su maravillosa música.

El año 1981 nos traía el debut en solitario de Luther Vandross tras el paso por su banda Luther y sus coros para múltiples artistas. Este primer disco de una de las mejores voces de los últimos 30 años fue "Never Too Much" y se abría con el tema del mismo nombre. Reconocible desde sus primeros compases, el tema sirvió de presentación para aquel joven pero curtido vocalista de voz de terciopelo. Es el favorito de mi madre que dice que no hay otro que cante como él así que, en su homenaje, aquí va un directo interpretando este inmortal "Never Too Much". ¿A que te gusta, mamá?. TQM

Mike James Kirkland es otro de los diamantes ocultos de la música negra del siglo XX. Sus dos discos, reeditados hace relativamente poco, son dos puntales del soul post-"What's Going On" y, en concreto su "Doin' It Right", una maravilla que trae en sus surcos cosas como este tema homónimo. Sensual, sexy, sugerente...ideal para una noche loca con tu pareja. Ah!, y una voz de esas que hubieran hecho época de haber tenido más oportunidades.

A sus 91 años, Hank Jones es ya una leyenda viva del jazz. Influenciado por Art Tatum, ha tocado con todo el mundo: Ella Fitzgerald, Charlie Parker. Coleman Hawkins, Howard McGhee y todavía a estas alturas sigue sacando sus cosillas. Siempre es un placer escucharle así que dejo aquí este directo con Jesper Lundgaard al contrabajo y Douglas Sides en la batería. Una preciosidad.

Hace dos años, en 2007, Atlantic reeditó los dos discos de estudio de este gran compositor, músico y vocalista. Debo decir que tardé en comprármelos porque esperaba, debido a las portadas, música disco un tanto hortera. Ahora bien, escuchados y reescuchados bastantes veces, tengo que señalar que no podía estar más equivocado, lo que me lleva a recomendaros que nunca os dejéis llevar por los prejuicios que en vosotros puedan despertar las portadas de los discos. A lo que voy, hace poco he escuchado el primero de esta fantástica dupla, el "Make It Good" publicado en 1978. Aquí Prince Phillip, con un gran sonido de remasterización (todo hay que decirlo), juega a ser el eterno seductor. Encontramos trazas de Barry White y Teddy Pendergrass, principalmente en "One On One", pero el que permanece ahí siempre presente es el Marvin Gaye de los setenta en temas de la calidad aplastante de "You're All I Got In The World", "Falling From Heaven" o mis favoritas la homónima "Make It Good" y "You'll Throw Bricks At Him". Además, tenemos el aliciente vocal de Mitchell que, sin ser un ejemplo de virtuosismo, nos deleita con grandes momentos plagados de falsetes y agudos marca de la casa. Un trabajo muy recomendable. Por cierto, la chica de la portada es modelo: Miss Kentucky 1978.

Adorados por muchos de los componentes de la hornada soul salida de los noventa, entre ellos D'angelo, Erykah Badu o Bilal, los Ohio Players se encuentran en el top ten de mis bandas de soul/funk favoritas de los setenta. Tengo todos sus discos de esta etapa desde el "Pain" hasta el "Honey", su último gran álbum. Precisamente es en este último donde aparece uno de mis temas predilectos de esta grandiosa formación. Se trata del "Sweet Sticky thing", excelente medio tiempo reminiscente del soul del Marvin Gaye del "What's Going On". Una de las muchas canciones de uno de los grupos más influyentes. Y si no que se lo pregunten a los Red Hot Chilli Peppers que incluso han versionado alguna de sus canciones.

Respondedme a la pregunta después de ver estos vídeos, aunque supongo que muchos de los que leéis este blog ya los habréis visto. Es igual, es para verlos varias veces. Tened un mocho cerca para fregar el reguero de babas que váis a dejar. Lo único más molón que su música, sus peinados.

Entre el nombre de la muchacha y el nombre el disco ("Cookie: The Anthropological Mixtape") el título de esta entrada se me iba a ir a tres renglones así que he decidido acortarlo y dejarlo en "Cookie" a secas. Cuando este álbum vio la luz Me'shell Ndegéocello venía de su proyecto más "blanco", una maravilla llamada "Bitter", publicada en 1999 y producida por Craig Street pero si algo bueno tiene esta mujer es que nunca sabes por donde te va a salir en el siguiente trabajo. Bueno, pues exactamente fue así. En 2002, cuando todo el mundo esperaba algo más descafeinado, va y, juntando en el estudio a músicos como Michael Cain, Gene Lake, Federico González Peña, Marcus Miller, Talib Kweli, Gregoire Maret o Jacques Schwartz-Bart, saca "Cookie: The Anthropological Mixtape", una vuelta al redil negro y un acercamiento al funk y al hip-hop más oscuros desde la óptica jazzy y totalmente ecléctica de esta fantástica mujer. Así, el cuarto disco de la bajista se muestra como un aglomerado de ritmos y candencias afro sin paliativos, con ritmos secos y contundentes y la siempre preciosa y sugerente voz de Me'shell que, hable, cante o rapee, transmite por igual. Incluye gran versión del "Better By The Pound" de los Funkadelic. Quizá mi disco favorito, junto con sus dos primeros, de una de mis artistas contemporáneas predilectas.

Una de las mejores experiencias de mi vida fue presenciar en directo hace dos años a David Murray y su banda (Hamid Drake, Jaribu Sahid y Lafayette Gilchrist) en el Colegio Mayor San Juan Evangelista. Desde entonces, comencé a comprar discos suyos apasionadamente hasta convertirse en uno de mis tenores favoritos. No obstante, muchos lo consideran el saxofonista más importante de los últimos 25 años. Aquí le vemos en el Village Vanguard, conjuntando como siempre tradición y vanguardia, junto a una banda de ensueño también: John Hicks (piano). Fred Hopkins (contrabajo) y Ed Blackwell (batería). ¿La canción? "Morning Song", incluída en el disco de 1983 de mismo nombre.

Un guineano, Djeli Moussa Diawara toca la kora, y dos senegaleses Abdoulaye Diabaté y Moussa Sissoko, piano y percusión respectivamente para formar el Kora Jazz Trio, combo que me encandilara hace cuatro años y que en 2008 sacó este "Part III", desde mi punto de vista, su mejor disco hasta la fecha. La obsesión de unir la música negra estadounidense con la música negra africana o caribeña siempre ha estado ahí: Dizzy Gillespie, Randy Weston, Abdullah Ibrahim...y ahora este atípico trío sin contrabajo. Su sonido refleja influencias de diversa procedencia: tenemos jazz, claro, pero también música afrocubana (la versión del "Chan Chan" de Compay Segundo es impresionante) y mucho muchísimo deje africano en las percusiones y en las voces que acompañan algunos temas. Los tres componentes son grandes músicos y lo dejan bien claro en esta su tercera entrega, pero quizá el que más me guste sea Diabaté en el piano, que me recuerda, salvando las distancias, a Monk en versión africana. Pero lo que más me llama la atención de este trabajo es la belleza de algunas de sus canciones como, por ejemplo, ese maravilloso "La Musse", mi favorito de esta recomendabilísima tercera estación en el trayecto de este trío que no viene de Nueva York ni de Chicago ni de Kansas City sino del corazón de África, el continente negro por antonomasia.

En 1959 Mingus sacaba "Mingus Ah Um", uno de sus muchos imprescindibles trabajos. Ese mismo año moría, poco antes de las sesiones de grabación, Lester Young y el contrabajista quiso brindar tributo al más influyente saxofonista tenor de su época, junto con Coleman Hawkins. Así, Charles Mingus llamó al segundo corte del disco, "Goodbye Pork Pie Hat", en alusión al sombrero que siempre llevaba el bueno de Lester. La pieza, ya convertida en inmortal, es una de las más importantes de la historia del jazz. Es una barbaridad que en la versión original fue tocada por, además del propio Mingus al contrabajo, claro está, John Handy (st), Booker Ervin (st), Shafi Hadi (st), Horace Parlan (p) y Dannie Richmond (bat). Aquí en el festival de jazz de Montreux en 1975, Mingus la interpreta junto a Don Pullen (p), George Adams (st), Gerry Mulligan (sb), Benny Bailey (t) y de nuevo, Dannie Richmond (bat). Esta música, sencillamente, es insuperable.

Producida e interpretada por Roberta Flack y compuesta por Eugene McDaniels, "Feel Like Making Love" se incluyó en el álbum del mismo título que la cantante publicó en 1975. Allí se dieron cita en el estudio grandes músicos como Idris Muhammad, Gary King o Hugh McCracken que contribuyeron de forma decisiva para crear esta deliciosa canción. Todo esto para que en el añ0 2000, 25 años después de la publicación del original, viniera D'angelo (no podía ser otro) y convierta el tema al neo-soul, con un groove de infarto a medio camino entre el hip-hop orgánico y el funk. Cada una en su estilo, "Feel Like Making Love" es uno de los tesoros de la Gran Música Negra. Aviso: la foto no corresponde a la portada del álbum pero me encanta, por eso la pongo.

De propina la maravillosa versión de Marlena Shaw que ha recordado raulmarc:


Y otra, la de Roy Ayers:

Teniendo sangre gitana y africana en las venas, no es de extrañar que Ayo (Joy Olasunmibo Ogumakin) haya desarrollado una querencia innata hacia la música. Ya con su debut en 2006 apuntaba las maneras que luego confirmó el año pasado con este "Gravity At Last", un trabajo que muchos incluyeron entre lo mejor del año, idea con la que estoy totalmente de acuerdo porque además de bonito, es bueno. Y eso que he tenido algún problema para etiquetarlo. ¿es soul?¿es folk?¿es reggae?¿es pop?¿es blues?, lo cierto es que no es nada y lo es todo a la vez. Armada de nuevo con su inseparable guitarra de palo, la preciosa voz de Ayo nos sumerge de lleno en un suave conglomerado formado por distintas músicas pero con un único hilo conductor: la belleza de todas y cada una de sus canciones, comenzando por "I'm Not Afraid" o "Maybe" y terminando por mi favorita, "Love And Hate". Aparte del carisma personal y vocal de Ayo, que tiene y mucho, la chica sabe elegir compañeros a la altura de las circunstancias y así lo demuestra la aparición en los créditos del teclista y guitarrista Lucky Peterson. Total, que tenemos un gran disco repleto de buena y distinta música negra.

Es prácticamente imposible que un aficionado a la música negra desconozca esta canción pero bueno, como me encanta y tanto Angie Stone como Calvin Richardson están soberbios demostrando la clase que ambos atesoran, aquí la dejo. Se trata del "More Than A Woman" que ambos intepretaron para sus respectivos discos, pero el dueto sólo se incluía en el "Mahogany Soul" de la señorita Stone. Discazo, por cierto.

Los Chi-Lites hacían un soul sofisticado y romántico que no era típico de la ciudad donde se formaron, Chicago, la cual era más conocida por su blues eléctrico y bizarro. Liderada por el vocalista Eugene Record, la banda vocal publicó sus mejores álbumes a principios de los setenta. primero fue "(For God's Sake) Give More Power To The People" en 1971, pero sólo un año más tarde, en 1972, aparecía "A Lonely Man", un disco cuyo segundo corte era este "Living In The Footsteps Of Another Man" que luego versionarían, ya en los ochenta, los británicos Pasadenas. Un tema sencillo pero muy agradable que refleja fielmente el espíritu de todas estas bandas vocales que surgieron a finales de los sesenta y principios de los setenta y a las que tanto deben las formaciones vocales contemporáneas.

Koko Taylor, o, como yo la llamo normalmente, la pantera del blues, nos dejó este pasado verano (sólo tres semanas antes que Michael Jackson) a la edad de 73 años. Nacida en Memphis pero ligada siempre a la ciudad del viento, tanto por su música como por sus contratos con sellos como Chess o Alligator, la discográfica con las que más grabó, Taylor sacó en 1975 uno de sus mejores trabajos. "I Got What It Takes" supone uno de los mejores discos de blues eléctrico de la década de los setenta. Siempre a cuestas con esa particular y característica rotura de voz en su forma de interpretar, la cantante repasa repertorio tradicional ("Trying To Make A Living"), composiciones de Willie Dixon (la escalofriante "I Got What It Takes") y Otis Spann ("Blues Never Die"), alguna versión R&B (el "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown) y algunos temas de su propia autoría (ese magnífico "Voodoo Woman"). Pero no sólo del enorme atractivo de escuchar a la Taylor vive este disco, sino que rodeándola hay un conjunto espectacular de músicos liderados por los conocidos guitarristas Sammy Lawhorn y Mighty Joe Young además del saxofonista Abb Locke. Si quieres meterte en el mundo del blues, sea eléctrico o acústico, este álbum es un buen comienzo.

El otro día en el recopilatorio que escuché de esta magnífica banda, de la que tantos samples se han sacado para el hip-hop, estaban incluídas varias bombas de relojería. Temas para no parar de bailar. Sudor, tripas y vísceras para un funk de los que me gustan a mi: bastante guarrete. Vamos, que me faltó disfrazarme de Shaft y salir a la calle a combatir el crimen. Si me véis botando encima de mi cama escuchando esto, no os lo creéis...Tema incluído en su disco del '73 "Soul Makossa".

Hace tiempo, en un foro que ya murió, salió el nombre de este francés, para todos desconocido por aquel entonces. Alguien colgó por allí su dirección de myspace donde se podían ver algunos vídeos del directo de este vocalista/teclista. Entré sin esperar nada del otro mundo y me quedé con la boca abierta. Era impresionante. Pues bien, este tío sacó en 2008 su primer disco, un doble cd titulado "Bastard Melodies". Vale, se parece muchísimo a D'angelo y todo lo que queráis pero la música encerrada en este debut es tan buena que da hasta repelús (modo irónico on). Además, sus influencias hablan por sí solas: ¿que no te gusta D'angelo?, sencillo, ahí tienes a Sly Stone, Curtis Mayfield, Al Green, Stevie Wonder y demás gigantes. Además, la sección instrumental está muy bien cuidada. Plenamente orgánica, suena a neo-soul puro y duro, con sus afilados metales, sus grandes líneas de bajo y sus teclados elegantes. En resumen, un grandísimo representante europeo del soul que más me gusta. A ver si un día de estos reescucho este disco.

Después de que la primera vez que lo pedí no me llegara y la tienda me devolviera el dinero, por fin recogí del buzón el último volumen, el décimosegundo de la saga, de los Books Of Angels de John Zorn. En esta ocasión al Masada Quintet formado por Dave Douglas (trompeta), Uri Caine (piano), Greg Cohen (contrabajo) y Joey Baron (batería) se le úne Joe Lovano (saxos) para formar un entramado de jazz, música folk judía, klezmer y las consabidas influencias latinas tan presentes también en otras entregas de la serie. Después de escucharlo un par de veces, tengo que decir que, de los que he escuchado, me parece uno de los más bonitos de estos magníficos Books. Lovano está especialmente inspirado, Dave Douglas demuestra porque es uno de los principales trompetistas del panorama actual y Uri Caine tan sobrado como de costumbre, dando la impresión de que puede tocar cualquier cosa que se le ponga en las narices. Aparte de esto, también es necesario añadir que el álbum trae un par de cortes o tres donde el sonido se hace más extremo, más free y menos "bonito". Si esto lo consideras un defecto, con pasar esas canciones te bastará, pero creo que completan muy bien un trabajo notable, si acaso algo por debajo del décimo volumen, "Lucifer", pero muy recomendable para acólitos o no, de un jazz diferente y, sobre todo, de John Zorn.

Sé que no soy nada original al escoger mi tema favorito de esta banda, pero es lo que hay. He bailado mil y una veces este "Brothers On The Slide" y no me canso. Publicada como segundo corte del álbum debut homónimo de Cymande en 1972, fue uno de sus mayores hits y un ejemplo de como se hace funk.

Creo que este vídeo ya lo he puesto en algún foro anteriormente pero es que la canción me parece de una belleza tal que se merece estar en cada página que puebla este universo infinito llamado internet. El tema ("Chove Chuva") en sí es del maestro brasileño Jorge Ben pero aquí está Miriam Makeba para decirnos que las versiones, en algunas ocasiones, pueden estar a la altura del original e incluso superarlo. No sé si esta versión la supera, pero como canta aquí la Makeba me emociona muchísimo y como se mueve, y el vestido que lleva y lo guapa que está... Una diosa de ébano en toda regla.

Este apartado nace con el objetivo de recordar discos que pueden ser de utilidad para la gente que entre a Soul y Otros Alimentos del Alma. Tampoco quiero que se convierta en algo obligatorio de poner todos los días. Simplemente, cuando me acuerde o me apetezca aparecerá al final de la jornada. Vosotros también podéis señalar los vuestros en el apartado de comentarios.

El domingo por la mañana desperté a mis vecinos con un disco suavecito, pero muy bueno, de uno de mis tenores predilectos de los años treinta y cuarenta que tuvo que emigrar a Europa a mediados de esta década porque aquí se sentía más reconocido que en su país natal. Es por esta razón que esta grabación que recoge un directo de Don Byas esté realizada en el club Montmartre de Copenhage. Durante dos noches, el excelente tenor se congregó allí con un cuarteto completamente europeo formado por Ben Axen (piano), Niels-Henning Orsted Pedersen (contrabajo) y William Schiopffe (batería). Con un protagonismo evidente del tenor de Byas y el piano de Axen, el repertorio está marcado por varios estándars de Dizzy Gillespie, Charlie Parker o Tadd Dameron. Ahora bien, la versión que destacaría es la del "Lover Man" que me parece preciosa. "A Night In Tunisia" supone una muy buena oportunidad para conocer los días europeos de un tenor que nació en los años treinta pero que se amoldó sin complejos a los nuevos sonidos que iban surgiendo en el jazz hasta convertirse en uno de sus representantes más importantes.

Cuando el afrobeat de Fela Kuti se mezcla con la juju music y con elementos del folk nigeriano y el funk estadounidense, surge Jujuba, una banda interesantísima que llegó a mis oídos en 2006, justo cuando sacaron su primer disco, el homónimo "Jujuba". Se trata de una formación de once miembros cuyo líder, el percusionista Nojeem Lasisi procede de la banda de King Sunny Ade, lo cual da una idea del potencial que puede desarrollar. El resto pone especial hincapié en los metales que remarcan con sus intervenciones la excelente sección rítmica liderada por el bajista Don Corey. Música pues muy rítmica que servirá para abrir sus horizontes musicales a los que sólo conocen de África a Fela Kuti y Youssou N'Dour.

Estos últimos días vengo reflexionando sobre unas cosillas que me tienen bastante atareado. Me vienen a la cabeza mis bandas hip-hop y rappers favoritos: A Tribe Called Quest, De La Soul, The Pharcyde, Mos Def, Opus Akoben, Common, Public Enemy, Digable Planets, The Roots, Jeru The Damaja, Madlib, J Dilla y a los últimos que he recordado, los Gang Starr de Guru y DJ Premier. Un día de estos, para reafirmar mi posición, me puse esa obra de arte que es "Daily Operation" y no paraba de pensar: "Vale, esto es hip-hop pero hay tantas cosas metidas aquí dentro...". Por momentos me sonaba a cosas de Miles, otras veces a James Brown y George Clinton y las más, a Charles Mingus, presente además en la grabación por el pedazo de sample que se marcan en "I'm The Man" del "Haitian Fight Song". Y es que creo que así sonaría Mingus si ahora mismo viviera, absorbiera la cultura hip-hop y le pusieras dos platos delante. Lo mismo me ocurre con A Tribe Called Quest (en la foto) o Digable Planets, hay tantas cosas metidas en su música que asusta sólo de pensarlo. Esta es la parte del hip-hop que me encandila; como. mediante beats, cajas y samples. se puede hacer algo tan rico en matices como el "Blowout Comb", el "Midnight Marauders", el "Buhloone Mindstate" de los De La Soul o los discos del Yesterdays New Quintet de Madlib, capaces de sonar a ratos como Art Blakey, otros como Coltrane, a veces recordar a los JB's y otras a Ornette Coleman. Absorber toda esta ingente cantidad de músicas no es fácil. Hace falta, además de ser buenos programadores de ritmos y de samples, ser buenos músicos como el mencionado Madlib, multinstrumentista genial y gran baterista al igual que J Dilla o Mos Def, capaz de tocar teclados bastante solventemente además de ser un percusionista de nivel. A lo que voy es que, desde mi humilde punto de vista, últimamente se ha dado más importancia en el hip-hop a las letras (que también son importantes, ojo) en detrimento de un, cada vez más mediocre y descuidado (salvo excepciones), apartado instrumental. El hip-hop, como cualquier otro tipo de música, negra o no, se nutre del pasado (raíces africanas, blues, jazz, funk...) pero también de la experimentación instrumental, de ver el asunto como un todo, de ir un peldaño más allá, y descuidar este campo puede resultar nefasto para un panorama que, en salvo contadas excepciones, ha dejado de interesarme. Me quedo escuchando el "Liberation" de Tré Hardson, antiguo miembro de The Pharcyde. Como me gustaría que Billie Holiday, Mingus, Eric Dolphy, Sun Ra y Trane pudieran escuchar esta maravilla. Iban a flipar.

Hace bastante años ya, compré un recopilatorio de soul clásico en el que venía una canción instrumental llamada "Memphis Soul Stew". En ella el instrumento solista era un saxo y la línea de bajo era extraordinaria. Normalmente, en aquellos años de adolescencia, asociaba el saxo al jazz o a las secciones de viento de distintas bandas, ya sean soul, R&B o funk. Sin embargo, uno de los primeros en elevar este instrumento a solista dentro del soul fue King Curtis y esta canción fue su hit más reconocible. Él se merece un puesto destacado en este sitio así que aquí va otro merecido homenaje. Le acompañan, nada más y nada menos que Cornell Dupree (guitarra), Truman Thomas (órgano), Bernard Purdie (batería), Jerry Jemmott (bajo) y Warren Smith (percusión).

"From The River To The Ocean" me parece uno de los mejores discos que se han publicado en los últimos dos años. Quizá sea mi fe ciega en San Hamid Drake la que no me deje ver algún defecto en este trabajo, pero lo cierto es que me encantó la primera vez que lo escuché y con las siguientes escuchas, ha ido ganando aun más. Además de por Drake, el disco viene firmado por Fred Anderson, otra leyenda viviente de la AACM y que a sus ochenta años demuestra estar como una rosa. La banda la cierran Harrison Bankhead (contrabajo, chelo y piano en dos temas), Josh Abrams (contrabajo y guimbri) y Jeff Parker (guitarra). Todos están soberbios pero quizá tenga especial predilección por Bankhead y su contrabajo, aunque como comienza la guitarra de Parker en el primer tema, "Planet E", me parece fantástico. Centrándonos en la música que encierra este "From The River To The Ocean" tengo que alentar a todos aquellos que huyen del free más radical porque, sí, estamos ante un disco con ramalazos free pero bastante bien contenidos en contextos africanos, bluesísticos y boperos. Merece la pena zambullirte en las aguas de este río que lleva al océano.

Wow!, por fin escuché lo último de Soulive después de varias semanas con el disco encima de mi mesa y tengo que decir que me ha sorprendido para bien. No sé por qué no me esperaba para nada que el resultado me pareciera tan convincente pero lo cierto es que, en mi escala personal, aprueba y con nota. "Up Here", primer disco de la banda en su nuevo sello Royal Family, se desmarca de sus anteriores trabajos y sólo otorga protagonismo vocal a tres de sus nueve temas, dos cantados por Nigel Hall (tengo por ahí su disco. Tengo que desempolvarlo) y el otro interpretado por el propio batería de la formación, Alan Evans. Los otros dos componentes se ocupan, como de costumbre, del hammond B-3, del clavinete y los teclados en general (Neal Evans, hermano de Alan) y de la guitarra (Eric Krasno). Este núcleo se acompaña de metales perfectamente conducidos por Sam Kininiger (saxo alto) y Ryan Zoidis (saxos barítono y tenor). Pero vamos a lo más importante: la música. En este sentido no es un trabajo que sorprenda. Soulive hacen funk, sí, pero alejado de los abusivos clichés repetitivos del deep funk cuya fórmula está comenzando a agotarse poco a poco. Este es un disco influído mayoritariamente por la música de James Brown y los JB's, pero también por el neo-soul de D'angelo (sobre todo en "PJ's"). En definitiva, funk sin paliativos ni concesiones. Creo que será uno de los discos del año o, al menos, uno de los más potentes.

Conocido por ser uno de los puntales del piano blues, Sunnyland Slim publicó en 1969 un álbum que grabó nueve años antes. El por qué del retraso, no lo sé pero ya le vale al que tuviera guardada semejante joya en su armario. Deberían condenarlo a escuchar cien veces seguidas al Luís Fonsi ese, ya veriais como así, después del martirio, se le acababa la tontería. Bueno, que me voy del tema. Estábamos en que Sunnyland grabó este disco en 1960 y lo grabó junto a King Curtis (saxo), Robert Banks (órgano), Leonard Gaskin (bajo) y Belton Evans (batería). Casi nada lo que se juntó en el estudio por aquellos días. Para acabar de redondear la faena, el ingeniero de sonido era Rudy Van Gelder, lo cual es sinónimo siempre de calidad sonora. Un repertorio fantástico con canciones suyas, de Brownie McGhee o de Sonny Boy Williamson, unos dedos rápidos y una voz de una resonancia extraordinaria, aparte del consabido sentimiento que lleva implícitamente cargado el blues, hacen el resto. Y este resto es otro disco que debe estar en tu estantería y siempre a la vista para fardar con los colegas de buen gusto musical. Os dejo por aquí un vídeo. Va un poco desacompasado el sonido con la imagen pero se aprecia perfectamente como canta y toca este pedazo de pianista/vocalista

Publicado como su debut para RCA, "Sings The Blues" nos presenta a Nina Simone en todo su característico esplendor. Con esa voz imperfecta de inmenso y peculiar vibrato, la cantante y pianista nos sobrecoge con un repertorio basado en la conjunción de R&B, soul, gospel y jazz pero esta vez con un claro y marcado tono blues. Además, por si fuera poca la sola presencia de la Simone, encontramos junto a ella músicos tan grandes como el guitarrista Eric Gale o el batería "Pretty" Purdie. ¿Queréis saber como suena?, como muestra, un botón: ese "Blues For Mama" del corte número once (Que es dejo aquí debajo) es simplemente espeluznante. Música negra negrísima.

Esa es "Chan Chan" de 1987. A pesar de que yo creo que la versión más famosa de esta canción la hicieron Elíades Ochoa e Ibrahim Ferrer para el disco de Buena Vista Social Club a finales de los noventa, la composición original es del maestro Compay Segundo. Es un tema que siempre me ha puesto los pelos como escarpias por lo precioso de esa reconocible melodía de guitarra y la voz afrocubanísima de uno de los mejores músicos, compositores y cantantes que ha dado la isla. Mira esto y a gozar.

Escuchar a Sam Cooke en directo debió ser para el público asistente a este concierto una experiencia inolvidable. Si todavía queda algún superviviente que asistiera, que seguro que sí, me gustaría que me contara como fue aquello, porque debió ser antológico. Imaginaos sólo por un momento allí en el club. Salen los músicos primero. Aparecen en el escenario Cornell Dupree, King Curtis, George Stubbs, Jimmy Lewis y "June" Gardner. Comienzan a tocar una intro y en medio de la expectación sale pletórico Sam Cooke, una de las cinco mejores voces de la historia del gospel, del soul y del R&B y comienza a cantar "Feel It", "Chain gang", "Cupid", "Bring It On Home To Me", "Having A Party"... Yo probablemente me hubiera perdido el concierto entero, porque estaría en el suelo desmayado como una fan cualquiera de los insufribles Jonas Brothers. Bueno, espero haber captado con estas líneas lo que se vivió en ese club aquella noche de 1963. La grabación supone uno de los mejores directos de la historia del soul pugnando en las primeras posiciones de los sesenta con los conciertos en el Apollo de James Brown que también son tela marinera. La foto que os dejo aquí es la de la portada de la reedición de 2005. Disco obligatorio.

Y como antes he hablado de esta gran vocalista, me he acordado de una canción que me vuelve loco de su repertorio particular. "All This Love That I'm Giving" abre su disco del '79 "Melody Of Life" (con una portada para matarla, por cierto) y es un rompepistas digno de cualquier fiesta soul/funk/disco que se precie. Otra de esas vocalistas de las que nunca se acuerda nadie a pesar de que yo me acuerde bastante a menudo.

En las décadas de los sesenta y setenta la ciudad de Chicago jugó un papel importantísimo en la vanguardia del jazz y del funk: por allí andaban la AACM, los Oneness Of Juju de Plunky Branch y el joven Maurice White, fundador de los Earth Wind & Fire y participante de los primeros Pharaohs, de los que sacó luego la sección de metales para su conocida banda, lo cual tiene que hacerte pensar que estos faraones son algo más que un grupo del montón. En su música agrupaban la fiereza de las bandas de James Brown y George Clinton con las experimentaciones características del jazz de la ciudad del viento de aquel momento pero también de la Arkestra de Sun Ra. A esto añádele marcados motivos africanos en las percusiones y nos quedará este "Awakening", único disco de estudio de la formación. Brillante disco afro/jazz/funk.

El último corte del primer disco de Keite Young, al que tuve la oportunidad de entrevistar para Soul Nation, fue este impresionante "Pressure" que recoge influencias de Prince (como no), Sly Stone, George Clinton y D'angelo, oséase, los más "guarros" y bizarros que te puedes encontrar. Junto con el dúo con N'Dambi y el "Time Brings A Change", mi favorita de aquel álbum con altibajos pero que se ha hecho un hueco entre los mejor de los últimos años.

Gran teclista y vocalista, Benny Latimore (más conocido como Latimore a secas) publicó en 1974 su álbum "More, More, More". En él venía "Let's Straighten It Out", una pedazo de canción soul pero con un deje bluesístico muy remarcable. De hecho, es una de las canciones que más emocionan cuando la escucho. Pero yo no sé cual me gusta más, si esta o la versión que Gwen McCrae sacó en 1978 que fue, además, la primera que escuché en su momento. La verdad es que es todo un dilema quedarte con una. Lo bordan los dos.

Latimore


Gwen McCrae