Este 2009 está siendo, al contrario que con el soul, un gran año para el jazz. Han salido muy buenos discos en prácticamente todos los palos que conforman el género, pero, sin duda, uno de los mejores ha venido de la mano de Christian McBride con su "Kind Of Brown". El último álbum del considerado por muchos mejor contrabajista del jazz actual está grabado en quinteto junto a Warren Wolf Jr. (vibráfono), Steve Wilson (Saxos), Eric Reed (piano) y Carl Allen (batería) y es un compendio de todo tipo de melodías post-bop. El instrumento de McBride me suena muchísimo a los grandes contrabajistas de mediados de siglo XX, es decir, ahi están presentes Ray Brown y Paul Chambers pero siempre desde una óptica propia que hace que la pulsación de las cuerdas de este coloso sea fácilmente reconocible. Los demás están muy bien también, pero me quedo sin dudarlo con Eric Reed, que me fascina y Warren Wolf Jr., todo un descubrimiento. Las composiciones corren a cargo del propio McBride incluyendo sendos tributos a Cedar Walton y James Williams y exceptuando alguna versión de temas de Freddie Hubbard y Herbie Hancock. "Kind Of Brown" es un disco, por tanto, que se hace muy disfrutable y ameno aparte de toda la excelencia instrumental que trae consigo.

Tengo que reconocerlo. Al leer el nombre de The Revelations lo primero que se me pasó por la cabeza fue la idea de otra nueva banda de deep funk dedicada a copiar a los JB's. Tras una escucha por encima de este "The Bleeding Edge" en la red (los 30 segundos habituales de los samples de las páginas de venta de discos) esa idea se transformó en esperanza y el otro día, cuando por fin me llegó desde EEUU y pude escucharlo tranquilamente en mi cadena, la esperanza se convirtió en realidad, en una fantástica realidad que corrobora que el primer elepé (antes habían sacado un EP) de esta formación es un fantástico trabajo, de lo mejor de este año en soul/funk. Liderados por los vocalistas y compositores Tré Williams y Rell Gaddis, los Revelations nos muestran en este álbum su absoluta devoción por el southern soul. No obstante, dentro del estuche del disco podemos ver su invitación a que escuchemos a los grandes de este subgénero. No faltan entre sus recomendaciones gente como Otis Clay, William Bell, Otis Redding, Syl Johnson o Latimore, del que incluso versionan su "Let's Straighten It Out". Pero "The Bleeding Edge" no es sólo un disco de southern soul de perfil clásico sino que hay incluídos muchos elementos neo-soul, funk y hip-hop en su sonido, desde detalles en los coros hasta leves referencias en la rítmica, pasando por determinados giros en las dos voces principales. En cuanto a los temas destacaría dos que, casualmente, son consecutivos: "Cheatin'/Secret Lovers" y la fantástica versión del "It's Too Late" de Carole King. "The Bleeding Edge" tiene todos los elementos pues para convertirse en uno de los mejores discos del año. Un trabajo que suena actual pero que a la vez mira y tiene más que presente a los clásicos que abrieron el camino hace ya tantos años. Un magnífico ejemplo de como hacer deep soul en nuestros días sin caer en la mera copia.

Como ya dije en la reseña correspondiente que puedes leer aquí, "Lucifer" fue uno de los mejores discos del año pasado. El caso es que se me olvidó documentarlo con algún vídeo así que aquí lo tenéis. Más vale tarde que nunca. Por cierto, qué feo es Zorn. ¿Por qué todos los genios tienen pinta de friki?

Nasir Jones, más conocido simplemente como Nas, es hijo de Olu Dara (extraordinario músico de jazz para quien no lo conozca) y eso se nota, al menos en sus trabajos de los noventa. El primero de ellos llegó en 1994 cuando el rapper contaba sólo con 20 años, se llamó "Illmatic" y enseguida pasó a ser considerado uno de los mejores trabajos de hip-hop de los noventa y, ahora con la perspectiva que da el trascurso de los años, incluso de la historia de este medianamente joven estilo musical. Con una estética influída por los Native Tongues y rodeado de productores y músicos de nivel tales como Large Professor, Q-Tip, Pete Rock o DJ Premier, Nas nos deleita con unas rimas que reflejan claramente los latidos del gueto sobre un colchón de ritmos y samples que conectan de manera fiel con la tradición negra. Aquí además encontramos temas míticos para todo amante de la música negra hecha en los últimos 30 años como "N.Y. State Of Mind", "Life's A Bitch" o "One Love". Todos ellos forman parte de ese puntal del hip-hop llamado "Illmatic" que refleja sin tapujos que esta música es algo más que lo que muchos medios quieren dar a entender a la opinión pública ajena a este movimiento.

Hacía ya varios años que Shalamar se habían separado pero Howard Hewett seguía pisando fuerte. En la onda del R&B más smooth de los noventa, este gran vocalista publicó su "It's Time" en 1994 con la inclusión en su repertorio de la que, a posteriori, se ha convertido en su canción fetiche. Me estoy refiriendo a un "For The Lover In You", deliciosamente interpretado por una de las mejores voces de la pasada década.

Por fin ha comenzado la temporada NBA. Como cabía esperar Kobe Bryant y los suyos han comenzado ganando a sus compañeros de Los Angeles Clippers. No he visto el partido pero, por lo que he podido leer por ahí, se ve que no ha sido muy bueno. Los Lakers han tirado mal (41% de acierto en tiros de campo) y han jugado sin Gasol, lo cual les ha pasado factura, pero bueno, ahí están con un 1-0 en su casillero de victorias-derrotas. Bryant en su línea (33 puntos) pero fallando más de la cuenta (11/26). Ahora bien, la que realmente ha partido el bacalao ha sido la pareja interior formada por Lamar Odom y Andrew Bynum, con 16 y 26 puntos respectivamente y 13 rebotes cada uno. Discreto debut oficial de Ron Artest con los Lakers, con sólo 10 puntos y pobres porcentajes de tiro.Envidia le habrá dado a LeBron James el comienzo de los de Los Angeles porque sus Cavaliers han perdido contra los Celtics de Boston con unos grandes Kevin Garnett y Paul Pierce. James ha estado solo en su equipo con 38 puntos y buenos porcentajes de tiro pero no ha podido hacer nada para evitar la primera derrota de Cleveland. Rudy en Portland, bien. 8 puntos y 2/3 en triples, veremos qué tal le sienta la llegada de un nuevo base (André Miller) y la recuperación de Martell Webster, su más directo competidor en su posición. Esta noche juegan mis adorados 76ers con uno de mis jugadores favoritos, André Iguodala. Lo hacen contra los Magic de Dwight Howard, Vince Carter y Rashard Lewis. Veremos qué tal. Otros partidos interesantes son Cleveland-Toronto (debut de Calderón) y Utah-Denver.

I Love This Game

Los Beastie Boys fueron el primer grupo blanco de hip-hop de cierta relevancia, incluso muchos de sus discos de los ochenta son considerados imprescindibles y clásicos del género. Ya están algo mayores pero siguen en forma. Así lo demuestra este vídeo en directo con los Roots. Que no os engañen sus pintas de pardillos.

A la espera de que salga lo último de Joss Stone el próximo 2 de noviembre, me he puesto a buscar algún vídeo del primer single "Free Me", pero por el camino me he encontrado con este vídeo que ví hace algún tiempo. James Brown como un chaval y la joven cantante británica, en su línea. Le da mil patadas a Christina Aguilera, Beyoncé y demás pseudo-divas estadounidenses. Podían mirar estas cosas a ver si se les pegaba algo...

Siempre con un pie en la vanguardia y otro en la tradición, Andrew Hill nos dejó hace dos años convertido en uno de los pianistas más importantes de los últimos 50 años y tocando hasta el fin de sus días. Todos sus trabajos tienen especial interés pero quizá los que más me interesan, aparte de alguno de sus últimos discos, son sus Blue Note. En 1968 y junto a Charles Tolliver (trompeta), Joe Farrell (saxos tenor y soprano), Billy Higgins (batería) y Victor Sproles (contrabajo) publicó este "Dance With The Death" en los últimos coletazos de una década muy fecunda para él. El sonido que nos ofrece es un avanzado post-bop, con leves jugueteos libres, bluesísticos y afrocubanos donde destacan, sobre todo, el piano del propio Hill y la trompeta de Tolliver, sin que el resto desmerezca, por supuesto. Todos ellos son pequeños genios que aportan su pequeño granito de arena para la consecución de un álbum enorme y de factura impecable.

Como dije en su momento en la reseña de "Cookie: The Anthropological Mixtape", "Bitter" es quizá el álbum más "blanco" de Me'shell antes de los últimos y, bajo mi punto de vista, peores trabajos. En 1999, y después de sus dos primeras obras maestras, la bajista y compositora hacía pleno (3 de 3)  y nos obsequiaba con otra de las propuestas cumbre que marcan toda su trayectoria. "Bitter", como su propio nombre indica, es un elepé amargo y nostálgico pero si hay una palabra que define la música aquí encerrada esa es belleza. Y es que es un disco bonito como él solo. Craig Street, productor también de Cassandra Wilson, Joe Henry o Norah Jones, supo aunar, como de costumbre, comercialidad y calidad con unas producciones plagadas de referencias al folk estadounidense con mucha guitarra acústica pero siempre visto desde la óptica negra de nuestra Me'shell. De este modo, una de mis damas predilectas cerraba una primera trilogía de discos absolutamente colosal. Suerte que siguió en racha bastantes años más. Esperemos que recupere el "toque".

Amos Lee es uno de mis músicos favoritos de ese conjunto que abraza de la misma manera el soul y el folk logrando hacerlos un todo. Me gustan muchísimo todos sus discos pero el primero me enganchó con solo escuchar unos segundos de esta preciosidad que lo abre. Se llama "Keep It Loose, Keep It Tight" y acaricia los sentidos de lo bonito que suena. Aparte está la voz de este chico que, para mi gusto, es absolutamente peculiar y maravillosa. Un día de estos tengo que reescuchar sus excelentes tres trabajos. Aquí os dejo una versión del tema que os digo en los estudios Abbey Road.

Aparte de ser uno de los mejores discos de este año, "The Bright Mississippi" de Allen Toussaint me ha recordado la gran tradición pianística de Nueva Orleans. De allí son, aparte del magnífico músico citado anteriormente, Art Neville, Professor Longhair, James Booker y Dr. John, todos ellos indispensables para conocer de primera mano el sonido del blues y del R&B procedente de una de las ciudades musicales por excelencia. Sin embargo, en esta lista falta uno y muy importante que es el amigo Champion Jack Dupree, pianista que sacó un trabajo imprescindble para comprender el papel del piano en el blues de la segunda mitad del siglo XX. Esta obra maestra es su "Blues From The Gutter" publicado en 1958 por la Atlantic de Jerry Wexler que también es el encargado de llevar el timón de la producción. Rodeado de una banda de auténtico ensueño formada por Pete Brown (saxo alto), Ennis Lowery (guitarra), Wendell Marshall (bajo) y Willie Jones (batería), el extraordinario pianista de manos infalibles y voz absolutamente maravillosa desgrana un estilo bluesístico dominado por los tiempos lentos, algún boogie-woogie y leves toques de country y otras músicas criollas y negras entroncadas en la tradición de Nueva Orleans. "Blues From The Gutter" es un elepé mágico (el primero de los muchos que grabó Champion Jack Dupree) que te traslada con su sonido a esa Norteamérica sureña de mediados de siglo pasado donde los viejos desdentados tocaban el banjo en los porches de sus desvencijadas cabañas, los niños jugaban en caminos polvorientos con todo aquello que tenían a su alcance, y las calles y clubes se atestaban de melodías jazz, blues, R&B y soul en una explosión cultural sin igual. Como me gustaría haber estado presente, pero como no puedo, me llevo un pequeño trocito de aquello en este "Blues From The Gutter". Tú también puedes llevártelo si quieres.

En una escena "Falsas Apariencias", la peli que pusieron hace poco en la que Matthew Perry (Chandler para todos los que nos gusta Friends) está todo el rato asustado por la presencia de un nuevo y peligroso vecino encarnado por Bruce Willis, reconocí de fondo ese poderoso contrabajo de Charles Mingus llevando en volandas la característica melodía que abre "Moanin'", una de sus composiciones más alucinantes y conocidas. Siempre que escucho algo de este monstruo, me imagino lo mismo: un alto mando de algún ejército desconocido disponiendo sus piezas estratégicamente sobre el tablero para sorprender al enemigo. Eso me pasa con Mingus, que desde detrás con su contrabajo le va diciendo a los músicos por donde tienen que ir y lo que tienen que hacer en cada momento. Esto es lo que sucede en "Moanin'", mi pieza mingusiana favorita junto con "Haitian Fight Song".

Una de las corrientes que más me interesan dentro del hip-hop de la pasada década es la protagonizada por los Native Tongues, colectivo surgido en Nueva York que aglutinaba a gente como los Jungle Brothers, Queen Latifah, ATCQ o los protagonistas de estas líneas, De La Soul. Son muchas las obras remarcables de esta banda, una de las más importantes en la historia del hip-hop, pero el último que he escuchado, hace ya algún tiempo, es este "Stakes Is High" publicado en 1996 y que supuso el cuarto trabajo en su discografía. Como no me apetece ahora meterme en una reseña larga, tan solo nombraré algunas de las gentes que se dan cita en este estupendo disco. Por ahí están J Dilla que, con sus 22 añitos por aquella época, ya se le nota la mano en la producción, Common, Mos Def, Erykah Badu y las Zhané de Renée Neufville, a la postre integrante de los RH Factor de Roy Hargrove. Os dejo por aquí un par de canciones. Grandes, ¿eh?.

Ocurre siempre, cuando una canción se convierte en estandar de un determinado estilo musical , que se olvida de quien es la original. Esto es exactamente lo que pasa con "Sweet Home Chicago". Todo el mundo la ha escuchado alguna vez, es un himno del blues, pero apuesto a que muy poca gente sabe quien fue su compositor y el primero en grabarla. Claro que tampoco mucha gente conoce a Robert Johnson, autor del tema clave para el advenimiento del blues moderno. Se han hecho tantas versiones de este tema y tan variadas que he tenido algún problemilla para escoger, pero aquí os dejo unas cuantas para que elijáis vuestra favorita.

Tengo que admitir que me costó pillarle el truco al último trabajo de Erykah Badu, "New Amerykah, Pt. 1". Al principio me pareció muy extraño pero como es mi diosa de ébano de ahora, le dí varias oportunidades y poco a poco fui asimilando el nuevo sonido presentado en este disco. Una de las canciones que más me impactó fue el noveno corte, "That Hump", con ese ritmo de batería tan hipnótico de Karriem Riggins. Vaya musicazo.

Como uno de los máximos representantes del neoclasicismo, Oliver Lake ha sido un músico bastante prolífico en los últimos treinta años. Aunque gran parte de sus mejores trabajos se encuentran en la década de los ochenta, en la de los noventa siguió grabando grandes discos. Un ejemplo de ello es este "Edge-Ing" de 1993 que es el que más reciente tengo en la memoria auditiva. Grabado en cuarteto junto a Charles Eubanks (piano) y los legendarios Reggie Workman (contrabajo) y Andrew Cyrille (batería), Lake, que toca el saxo alto, nos presenta un sonido más "comprensible" que en otras ocasiones, con poco espacio para el free que, aunque con presencia, aparece sólo en ocasiones puntuales. Lo que más predomina es un post-bop complejo, a veces con swing y otras sin él, y con tiempo incluso para abordar un soul jazz como el "Peanut Butter" de John Hicks. Todos los músicos cuentan con cabida a lo largo de los 6 cortes que incluye el disco pues todos ellos tienen, en algún momento, su pequeño hueco para la gloria con sus respectivos solos. Me ha gustado, sobre todo, Cyrille. Es una barbaridad como es capaz de tocar este hombre, con una percusión llena de matices, cambios de ritmo y un dominio bestial del tempo. Oliver Lake toca aquí su alto con sus habituales chillidos y agudos, pero más contenido que en otras ocasiones por los que su saxofonismo se hace, esta vez, más accesible. "Edge-Ing" no está considerado como una de sus obras maestras, pero sí que puede ser un disco muy recomendable para aquellos que renieguen del jazz posterior al bop. Buen álbum para acercarse al neoclasicismo.

Ahora que se acerca el comienzo de una nueva temporada de la NBA me he acordado del que fue mi ídolo absoluto de niño, Michael Jordan, su Alteza del Aire. Mi admiración por el baloncesto NBA llegó cuando MJ estaba en su máximo apogeo, los Bad Boys de Isiah Thomas, Joe Dumars y Bill Lambeer dominaban la liga y el declive de Magic Johnson y Larry Bird era , desgraciadamente, inminente. Lo mío por Jordan era adoración absoluta. Tenía la pared de mi habitación llena de fotos suyas, coleccionaba recortes de periódico con sus estadísticas, sus imágenes, sus zapatillas y, si hubieran salido, hasta de sus calzoncillos. No os podéis imaginar lo que lloré cuando en 1993, después de ganar su tercer campeonato consecutivo ante los Phoenix Suns de Charles Barkley, se retiró a causa del dramático asesinato de su padre. Por suerte para todos, retornó y volvió a ser, como no podía ser de otra manera, el mejor. Ya no sólo eran sus 30 puntos por partido y su recitificados imposibles sino el placer de verle en la cancha, sus movimientos, sus asistencias, sus botes, su liderazgo, su elegancia y su prestancia. Es el mejor jugador de todos los tiempos y el responsable de que ahora continue siguiendo la NBA de cerca. Por esta razón, os dejo por aquí un vídeo con algunas de las cosas que hacía. Todavía se me saltan las lágrimas de emoción al verle jugar.

Muchos prefieren a Sarah Vaughan o Billie Holiday (como es mi caso), pero lo que es objetivamente indiscutible es que Ella Fitzgerald era la perfección cuando se trataba de arrullar con la voz. Nadie ha cantado, canta o cantará con esa técnica en la vida. Particularmente, cuando más me gusta es cuando canta acompañada de un grupo pequeño o incluso sólo con un piano. El otro día me topé por internet con este vídeo de 1961 interpretando el "Round Midnight" junto con Oscar Peterson, Ray Brown y Ed Thigpen. Sincera y sencillamente creo que esto no se podrá superar nunca.

Siempre me ha gustado Eric Roberson. Me parece un tío con mucho estilo, tanto en sus producciones plagadas de guiños al hip-hop como en esa voz con tanto flow. Su penúltimo trabajo, "Left", me pareció de lo mejor de 2007 y ahora, dos años después, nos ha llegado hace escasos dos meses su nueva entrega, "Music Fan First", desde mi punto de vista, un poco más irregular pero igualmente interesante dados los tiempos que corren. Publicado en su propio sello, Blue Erro Soul, este último álbum del de Nueva Jersey no nos presenta nada nuevo en cuanto a sonido. Erro sigue con su habitual tónica basada en un neo-soul fuertemente influído por ese hip-hop underground que tanto me gusta. Aunque algunos de sus cortes pueden caer en la monotonía o la intranscendencia, el disco goza de bastante regularidad cualitativamente hablando. Otro de sus mayores reclamos cae del lado de las colaboraciones que son muchas y variadas, pero siempre sabiamente elegidas. Lalah Hathaway, W. Ellington Felton, Sy Smith, Wayna, Geno Young y T3 de Slum Village son algunos de los nombres que encontraréis participando codo con codo con Eric Roberson dentro del disco. Así que, por mi parte, nada criticable para lo nuevo de este gran músico excepto algún pequeño detalle que hace este "Music Fan First" baje un poquito el nivel y no sea un disco redondo, pero sí bastante recomendable y agradable.

De las muchas composiciones que ocupan los primeros puestos en mi lista de temas favoritos de Coltrane, quizá sea "Olé" la que más he escuchado. Con un claro matiz hispano, la música aquí desarrollada es visceral, apotéosica e indescriptible. Trane sólo toca al comienzo con el estribillo y luego al final en un solo que pone los sentimientos a flor de piel extrayendo lo que le sale del alma en ese momento. Le acompañan en el tema, por orden de aparición: Eric Dolphy (flauta), Freddie Hubbard (trompeta), McCoy Tyner (piano), Reggie Workman y Art Davis (contrabajos) y Elvin Jones (batería). Todo lo que diga se queda corto así que, los que no la habéis hincado el diente todavía, escuchadla, por favor. Serán los 18 minutos mejor invertidos de vuestra vida.

Muchas fueron las divas que pasaron por la banda de James Brown a los largo de toda su trayectoria. Una de las más significativas fue Marva Whitney que culminó su participación en dicha banda con un trabajo atómico en solitario llamado "It's My Thing" producido por el propio Padrino del Soul y que ha sido desde hace más de treinta años de los discos más buscados de la historia del soul/funk. Menos mal que hace poco llegaron los británicos de Soul Brother para reeditar esta perlita porque el mundo sería un poco más feo sin ella. Marva Whitney pone de manifiesto aquí el porqué fue elegida por James Brown para ser la primera vocalista femenina de su grupo desde el '67 hasta el '69. Demuestra ser una vocalista agresiva, en la línea de las cantantes funk que vinieron posteriormente y con una visceralidad en su garganta que es la parcialmemente culpable de que este trabajo lleve implícito el sudor, la sangre y la suciedad. Y digo parcialmente, porque otra parte importante se la lleva la banda que la corea, los mismísmos JB's con Maceo Parker, Pee Wee Ellis, Fred Wesley, Clyde Stubblefield, Jimmy Nolen, Charles Sherrell y demás bestias insuperables. "It's My Thing" es, por tanto, un auténtico monumento del soul y del funk de finales de los sesenta. Si no lo tienes, ya puede irlo comprando o te arrepentirás de por vida.

"Hoodoo Man" es el tema más conocido del vocalista y armonicista Junior Wells. Incluída en su disco de 1965 de mismo título, esta composición es uno de las canciones más importantes y conocidas de la década de los sesenta. Os dejo un vídeo fechado por esa época para que veáis la magnificencia de uno de los grandes del blues de todos los tiempos. A la guitarra, Otis Rush, otro que tal baila.

No me suele llamar la atención el nuevo gospel que ahora se hace sobre bases básicamente arenbí. Tampoco suelo escucharlo mucho en formato disco, porque es un género que me gusta disfrutar sobre todo en concierto. Sin embargo en 1999, este "Chronicles Of The Soul" del semidesconocido Montrel Darrett me conquistó completamente, primero por sus reminiscencias clásicas (Al Green, Curtis Mayfield o Marvin Gaye), segundo por una gran asunción del sonido neo-soul más orgánico y tercero, y más subjetivo, por su sonido "sucio". Por estas razones estamos ante un álbum de gospel atípico donde sólo aflora el sentido religioso si nos fijamos en las letras de las canciones. Por lo demás, podría ser un álbum firmado perfectamente por D'angelo, Keite Young y demás gamberros del soul actual. La parte instrumental también se muestra brillante, al igual que la vocal, con grandes arreglos en las líneas de bajo y en unas baterías reminiscentes del funk de los setenta y del hip-hop más elegante realizado en nuestros días. "Chronicles Of The Soul" pasó inexplicablemente desapercibido cuando salió, pero sin saber cómo, llegó a mi oídos y pude comprarlo poco después. Desde entonces lo he escuchado miles de veces y no me cansó. Además, creo recordar que lo tenéis a buen precio por ahí.

La primera vez que escuché "Sun Goddess" no fue la original de Ramsey Lewis sino la versión que en 1975 hicieron Earth, Wind & Fire en su álbum "Gratitude". Así se ponía de manifiesto la huella marcada por Lewis en Maurice White desde su época juntos en el trío del primero. Bueno, la canción en sí es del año '74 del disco del mismo nombre del pianista, yo creo que su trabajo más famoso desde aquel buen "The In Crowd" y con parte de los citados EWF. Por cierto, que Angie Stone sampleó este tema para su primer y grandísimo disco. Un hecho que demuestra que su influencia llega hasta las nuevas generaciones.

La otra tarde por fin escuché, después de casi dos meses encima de mi mesa, el primer y esperado disco como líder de Gerald Clayton después de que nos maravillara a todos en el "Ear Food" de Roy Hargrove el año pasado. Pues bien, tengo que decir que me maravilló de principio a fin hasta el punto de que creo que podemos estar ante uno de los mejores diez discos del año. El propio pianista, hijo del contrabajista John Clayton, se encarga de explicarnos, en el interior del estuche del cd, su visión sobre la música e insiste en que para él lo de la distinción entre géneros musicales es un atraso. Ve el asunto como un todo complejo y así lo plasma en su sonido. De hecho, muchas de las composiciones incluídas en este "Two-Shade" parecen comenzar de una determinada manera para enseguida tomar un nuevo rumbo, a veces cercano, pero otras no tanto, reflejado en un sinfín de recursos (soul, hip-hop, latin, bop. clásica, funk...). Clayton suena próximo a otros jóvenes pianistas como Robert Glasper o Danny Grissett pero tomando referencias como Kenny Barron o Mulgrew Miller, que también se encarga de nombrar en el interior de su álbum. Le acompañan en él dos músicos que, después de haberlos escuchado aquí, voy a tener muy presentes en los tiempos venideros: el contrabajista Joe Sanders y el baterista Justin Brown. Ambos son capaces de entrar y salir de diversos estilos con una facilidad que ya quisieran para sí muchos. Concretamente Justin Brown parece pertenecer a esa generación de baterías que parecen manejar a la perfección todo el elenco de estilos negros pues sus baquetas se escoran en bastantes ocasiones hacía el hip-hop o incluso hacia un difuminado drum 'n' bass. En resumen, "Two Shade" es una auténtica gozada de álbum y un más que digno debut que parece proyectar a su protagonista, Gerald Clayton, hacia un prometedor futuro.

Afrique sólo sacó un disco. Fue en 1973 bajo el mismo nombre que el hit de Manu Dibango, "Soul Makossa". Sin embargo la canción por excelencia de este gran trabajo fue este groovy "House Of The Rising Sun", un funk sin paliativos que hace que los pies se descoordinen del resto de tu cuerpo. Destaca la batería de Paul Humphrey y la guitarra de David T. Walker. Un estupendo ejemplo de lo que se hacía en la primera mitad de los setenta con una calidad instrumental, como casi todo lo de entonces fuera de toda duda. Un rompepistas de los de verdad.

Para el público general, Nueva Orleans "sólo" es considerada como la ciudad donde, a principios del siglo XX, comenzó a caminar el jazz. Lo que ya no conoce tanta gente es que también ha dado lugar a numerosos artistas procedentes de otras músicas como los Meters, Allen Toussaint, Lee Dorsey o, más recientemente, Stanton Moore. Fueron los primeros, liderados por Art Neville, los que, involuntariamente, ocultaron en su momento a otras bandas semejantes. Este es el caso de The Gaturs, semilla germinal de los posteriores The Wild Magnolias. Liderados por el teclista y vocalista Willie Tee, los Gaturs desarrollaron un funk similar al de los Meters, con múltiples referencias al jazz, al soul y al blues. En este "Wasted" se recogen sus grabaciones de primeros de los setenta que, gracias a sus riffs y sus breaks de batería, pueden despertar el interés a un amplio espectro de géneros, hip-hop inclusive. Una gran compilación, por tanto, para conocer de primera mano la maravillosa música que siempre ha reinado en esa ciudad mágica llamada Nueva Orleans.

¿Quién dice que Prince ya está muerto musicalmente hablando?. Vale, es cierto que no es, ni mucho menos, lo que era, pero sus últimos discos, siendo algo irregulares, siguen trayendo auténticos tesoros dentro. Uno de ellos es este "Dear Mr. Man" incluído en su álbum de 2004 "Musicology" que, a mi particularmente, me gustó bastante. Esta canción en concreto me vuelve loco, ese medio tiempo elegante, con guitarra wah wah y ese saxo soplando al final...buff, para orgasmar varias veces.

Era 1973, el funk vivía su época de máximo esplendor y Mandrill sacaba su disco de más éxito. "Composite Truth" estaba cargado de buenas canciones, pero uno de los mayores hits de la banda fue el tema que lo abría, "Fencewalk". Funk del bueno, sí señor.

Tengo que reconocerlo. Hace unos años Van Hunt no acababa de convencerme no sé muy bien por qué motivo. La cosa cambió en cuanto pude concentrarme en escuchar su primer disco tranquilamente. Y no veas como entró. Luego con el segundo fue mucho más fácil, aunque trajera contenidos, cuanto menos, variopintos. Y es que este hermano bastardo de Prince, Curtis Mayfield y Sly Stone siempre depara cosas interesantes desde sus comienzos como colaborador de Rahsaan Patterson hasta su segundo y último disco publicado hasta la fecha, "On The Jungle Floor", en el que nos volvió a encandilar con esa mezcla entre el soul y el funk bizarro de los setenta, el neo-soul actual y unas pizcas de rock guitarrero como guinda del pastel. Un pastel , por otro lado, completamente compuesto por él mismo salvo un tema y en el que destaca, además del falsete a lo Curtis Mayfield, la solvencia con la que puede tocar batería, teclado, guitarra y bajo. En consecuencia, no sé con qué disco quedarme de los dos a su nombre. Bah!, como no tengo que elegir ninguno, me quedo con los dos como eso que son, dos de los mejores abanderados del soul hecho en nuestros días.

Tommy Johnson grabó poco y durante sólo dos años, de 1928 a 1930, pero es vital en el desarrollo del blues antes de la llegada de Robert Johnson. Fue colega de Charley Patton y es una de las influencias definitivas de los bluesmen que le siguieron, no sólo en los años cercanos a sus grabaciones sino también en Chicago y en el blues eléctrico. En la compilación que Document sacó se incluyen 17 temas entre los cuales se encuentra este escalofriante "Big Fat Mama Blues". Me gusta, de vez en cuando, retrotraerme a los tiempos en los que todo comenzó.

Ha sido toda una experiencia volver a escuchar este primer disco de James Carr después de un tiempo sin hacerlo. Primero, porque es una obra de arte del southern soul y segundo, porque he recordado alguna cosilla importante, la principal que Carr canta tan parecido a Otis Redding en cuanto a timbre, fiereza y profundidad que, en ocasiones, se pueden llegar a confundir. "You Got My Mind Messed Up" es un monumento en toda regla al soul sureño, muy en la onda del sonido Stax que marcó los sesenta y con mucho blues y country entre líneas. Además, ahora con la reedición que hace pocos años realizó el sello Kent en Inglaterra podemos disfrutar, nada más y nada menos que de 12 bonus tracks jamás publicadas anteriormente y que completan la también docena de composiciones que integraban el elepé original, entre las que se encuentra ese himno llamado "Pouring Water On A Drowning Man". Recién recordado este, ahora me toca rememorar su segundo "A Man Needs A Woman". Ponerse deberes de este tipo es un placer.

En 1998, los Goodie Mob publicaron su segundo trabajo titulado "Still Standing" con colaboraciones como las de Outkast y músicos como Tarus Mateen. De todas las buenas canciones que trae este trabajo, mi favorita en aquel momento fue este tributo a la mujer negra que es "Beautiful Skin". Hip-Hop elegante con la voz, una vez más, de Cee-Lo Green en el estribillo.

Hace poco conseguí la edición japonesa (2005) de este "Happy Frame Of Mind" de Horace Parlan, otro disco considerado por muchos como uno de los mejores Blue Note de todos los tiempos. La peculiaridad de este trabajo reside en que originalmente no se publicó a nombre de Parlan sino al del saxofonista de la sesión, mi adorado Booker Ervin. Posteriormente, ya a mediados de los setenta, el elepé vio la luz tal y como lo conocemos hoy día. Se trata de un elepé grabado en sexteto con Booker Ervin y Johnny Coles en la línea frontal tocando tenor y trompeta respectivamente, y con Grant Green en la guitarra, Butch Warren en el contrabajo y Billy Higgins en la batería. Éstos desarrollan un sonido que no es un mero hard bop sino que incorporan elementos más complejos desde una óptica post-bop. Además de Parlan, quien pone sobre la mesa sus influencias powellianas (Bud Powell), Booker Ervin es quien más me ha gustado, pero con este saxofonista me es imposible ser objetivo. Me gusta absolutamente todo lo que ha hecho y me parece uno de los grandes de los sesenta aunque injustamente valorado. Me encanta el sonido que saca al instrumento siempre buscando ir un poquito más allá. La sección rítmica es de esas que hacen historia y destaca, sobre todo, en el primer corte del disco "Home Is Africa". Total, que estamos ante una de las obras más importantes de la Blue Note de los sesenta y mi última escucha, hace bien poquito, lo corrobora por completo.

Además de Rokia Traoré, hay otra mujer africana (y también de Mali) que me ha fascinado este año con su nuevo trabajo. Ella es Oumou Sangare y con "Seya" ha realizado una de las obras más destacadas de esta temporada. Considerada por muchos como la mejor vocalista de su país, se ha sabido rodear de grandísimo músicos para estas sesiones. Y cuando digo grandísimos es que son inmensos: Pee Wee Ellis, Fred Wesley, Tony Allen, Bassekou Kouyate, Tony Remy, Will Calhoun...juzgad vosotros mismos. Ahora mismo no tengo agilidad mental como para escribiros una buena reseña sobre lo bien que suena este disco, pero os dejo un vídeo que, a buen seguro, agradeceréis. Ah!, y compráos "Seya". Es una pasada.

En 1956, uno de los trabajos más importantes de Sonny Rollins y de la historia del jazz en general, "Saxophone Colossus", veía la luz y comenzaba a forjar su leyenda. El elepé abría con este "St. Thomas", posteriormente convertido en casi un estándar por las múltiples versiones que se han hecho de él. Pero hay una cosa que lo hace peculiar. Basado en una canción que le cantaba en su infancia su madre, es un tema con claros aires afrocaribeños en lo que significa uno de los mayores y más nítidos acercamientos al calipso de un músico de jazz. Aquí le vemos junto a Kenny Drew (piano), NHOP (contrabajo) y "Tootie" Heath (batería).

Formalmente conocido como el maestro que tuteló a la joven Geri Allen y a otras figuras del jazz contemporáneo como James Carter o Kenny Garrett, lo cierto es que Marcus Belgrave tiene detrás mucho oficio. Ha grabado relativamente poco a su nombre, pero ha podido tocar con gente como Ray Charles, Charles Mingus, McCoy Tyner o David Murray. Hace poco me he podido hacer con la reedición sacaron hace unos años de "Gemini", su disco debut como líder, objeto de coleccionismo hasta hace bien poco dadas las pocas copias que salieron en su momento. Una vez escuchado debidamente, tengo que decir que es un auténtico pepino de disco, capaz de tocar diferentes palos sin perder esencia ni parecer forzado. Así, en ocasiones puede sonar un groove desatado, estilo a las grabaciones más funk de la Arkestra de Sun Ra, otras veces suena a bop, otras a un soul jazz refinado y bailongo y alguna a blues. En todas, Belgrave saca a relucir su maestría con la trompeta y el fliscornio liderando a los ocho músicos complementarios, entre los que destaca el bajista Ed Pickens y el tenor Wendell Harrison. En ocasiones, místico, en ocasiones, terrenal, "Gemini" es una de las gemas más rutilantes entroncadas en el árbol de la Gran Música Negra.

Y eso que esta canción, "Forthenight", forma parte del disco que comenzó a marcar su declive, "Soulstar", aun teniendo cositas como este tema que anda que no mola ni ná. Os dejo aquí la original y el remix que se incluyó en la Banda Sonora Original de "Johnson Family Vacation".

Desde el '71 hasta el '80, Stevie Wonder publicó obra maestra tras obra maestra, comenzando por "Where I'm Coming From" y terminando por el extraordinario "Hotter Than July". Su considerado mejor disco sigue siendo el "Songs In The Key Of life" de 1976, pero, desde mi punto de vista, el "Innervisions" no le va a la zaga en absoluto. Publicado en 1973, época de convulsiones sociales y escándalos en las altas esferas de la vida pública estadounidense, el genio invidente se sacó de la chistera un álbum dominado por temas políticos y sociales con múltiple variedad estilística. No voy a descubrir aquí como canta Stevie porque ya lo sabemos todos así que pasaré directamente a otros asuntos. Este es el trabajo donde se dan cita temas míticos en su carrera. Aquí encontramos el atómico "Higher Ground", la preciosa y escalofriante "Visions", el maravilloso "Living For The City", el siempre elegante "Too High" o la desgarradora "All In Love Is Fair" además del famoso "Golden Lady" que, creo recordar, que sonó hasta en algún anuncio en nuestro país. Stevie toca la mayoría de los instrumentos con maestría, incluyendo esa asombrosa capacidad para tocar la batería dejándose arropar en algunas canciones por músicos como Willie Weeks, David T. Walker, Dean Parks, Clarence Bell o Larry Latimer. Y como suena la música contenida aquí, chic@s. No me extraña que los discos de esta etapa de la trayectoria de Stevie Wonder sean considerados redifinitorios del sonido estándar del soul de la época: pianos eléctricos, armónicas, sintetizadores moog, clavinetes...un sinfín de recursos por todos ya conocidos que hacen de este "Innervisions" una joya atemporal, una obra de arte como pocas has visto en tu vida.

Lonnie Smith (con el Dr. delante o no) está especialmente productivo en estos últimos diez años, sacando cinco discos en ese período. El último de todos ha visto la luz este mismo año y bajo el título de "Rise Up!" nos muestra al abuelo aún en plenitud de facultades aunque sin variar demasiado su oferta musical. No encontraremos en este última entrega del organista nada nuevo, pero me atrevería a decir que ni falta que hace. Es decir, "Rise Up!" es un disco con mucho groove, mucho funk, pero también mucho jazz. No obstante, los músicos que le rodean son de auténtico órdago a grande: Donald Harrison lo borda con ese fraseo al saxo a caballo entre el post-bop y el soul y el R&B, Peter Bernstein demuestra por que es uno de los guitarristas más importantes del jazz de nuestros días y Herlin Riley está más que soberbio con las baquetas en las manos. Este núcleo grupal se completa puntualmente con las aportaciones de Matt Balitsaris en la guitarra y James Shipp en la percusión. Ya dentro del disco encontramos temas propios de Lonnie Smith como el que lo abre, inmenso "A Matterapat" (del que tenéis un vídeo debajo), y excentridades tales como la versión guarra que se marcan del "Come Together" de los Beatles o del "Sweet Dreams" de los Eurythmics que demuestran que el doctor ha vuelto, como no, por todo lo alto. Espero que le dure mucho la cuerda.

"Still Bill" es mis disco favorito de Bill Withers. Publicado en 1972, traía como cuarto corte este famoso y atómico "Use Me", un semi-funk a la manera que Withers nos tiene acostumbrados. Una barbaridad de canción, de la que os dejo un vídeo con James Gadson en la batería, luego versionada por muchísima gente. Entre ésta, pulula por la red un directo en el que David Sanborn reúne a músicos como Marcus Miller, Eric Clapton y Steve Gadd para que toquen con la voz de D'angelo. Una versión excepcional casi tan buena como la original (por favor D'angelo vuelve ya de una vez). Para terminar os dejo también el audio de la que hizo Esther Phillips, tremedísima también.

Desde luego los de Prestige se están luciendo con las cajas recopilatorias dedicadas al John Coltrane de los cincuenta y sus grabaciones para esta casa. Primero fue "Fearless Leader", luego "Interplay" y el pasado 6 de octubre le ha tocado el turno a "Side Steps", última compilación de todas. Compuesta por cinco discos, esta lujosa caja contiene muchas de las grabaciones del saxofonista como sideman de otros que daban la autoría al elepé en cuestión. Con esta premisa, podemos encontrarle en temas con Elmo Hope, Tadd Dameron, Red Garland, Gene Ammons, Mal Waldron hasta desembocar en el único encuentro que tuvo con Sonny Rollins en "Tenor Madness". Prestige completa así una trilogía de cajas encomiable, con buen sonido y excelentemente presentadas. Total, una cosa más en la que gastar el dinero. Ya sabía yo que algo malo tenía que tener esta "enfermedad".

En la década de los setenta, Lou Blackburn, trombonista de prestigio que había tocado con Lionel Hampton y Charles Mingus, llegó a Alemania para establecer allí su residencia y allí fue, paradójicamente, donde fundó un proyecto, Mombasa, cuyos discos, los "African Rhythms & Blues, Vol. 1 y 2", siguen siendo referencia obligada, casi 35 años después, del llamado afro jazz. Blackburn juntó para esta aventura a un conguista y flautista (George Coleman), a un trompetista y fliscornista (Charles Jefferson), a un bajista (Gerald Luciano) y a un batería (Cephus McGirt) para formar un ensamble espectacular donde las líneas de bajo funk se juntan con desarrollos jazz en los metales sobre un colchón de percusiones africanas de todo tipo y condición. Debido a esto, perdonadme si no os pongo una etiqueta concreta debajo de esta entrada, pero es que, creédme, es prácticamente imposible delimitar esta música en un sólo estilo. Y si escucháis el disco veréis que tengo razón en esta afirmación, pues el sonido encerrado en este "African Rhythms & Blues" es un continuo vaivén que viaja desde los ritmos claramente enraizados en el continente negro ("Holz" y "Makishi") hasta un jazz funk también con clara semilla en la cultura africana de ciertos aires espirituales. En fin, que no me extiendo más. Escuchadlo y comentadlo por aquí. Por cierto, gracias a Sonorama por reeditar esta maravilla.