Nació en Cuba, de madre jamaicana y padre cubano, pero fue uno de los mayores artífices de la difusión a principios de los sesenta del ska, la semilla de la que posteriormente nacerían el rocksteady y su pariente más conocido, el reggae. Me estoy refiriendo al integrante de los Skatalites, Roland Alphonso, saxofonista que tomó influencias del R&B estadounidense para incorporarlas a los calipsos y ritmos rápidos que, en ese momento, afloraban en Jamaica y que muchos compararon con Illinois Jacquet o incluso con Sonny Rollins. Los primeros Skatalites originales con Jackie Mittoo, Don Drummond, Tommy McCook y compañía duraron muy poco juntos, apenas 18 meses, pero, en ese tiempo, les dio tiempo a crear un sonido que, a la postre, resultó inmortal y definitorio de todo un movimiento cultural, gracias, en parte, a este gran saxofonista. Ejemplo de ello es "Nimble Foot Ska", una maravilla donde el solista resulta ser el mencionado Roland Alphonso secundado por toda la pléyade de excelentes músicos que conformó esa banda de referencia llamada The Skatalites.

El pasado mes de noviembre la discográfica VP publicó una recopilación muy interesante sobre el período comprendido entre 1972 y 1985 de la carrera discográfica de Dennis Brown. En ella se incluyen dos discos repletas de temas en los que colabora lo más granado de la isla caribeña desde Joe Gibbs o Erroll Thompson en la producción hasta músicos de sesión de la incuestionable valía de "Chinna" Smith, Robbie Shakespeare, Sly Dunbar, Jackie Mittoo o Santa Davis, entre otros. Pero no acaba aquí la cosa, porque al mencionado doble CD, hay que añadir un DVD con el concierto que Brown dio en 1979 en el Festival de Montreux del que, por cierto, aquí tenéis un adelanto.

Noticia publicada en el diario El País el 26/10/2010:

Lee la noticia completa aquí.

Y seguimos con las novedades interesantes ya que, en los próximos días, saldrán a la venta reediciones y novedades interesantísimas en el campo del rocksteady, del roots reggae y de la música africana. En el lado del primero tenemos una nueva propuesta del sello Pressure Sounds que, tras la joyita publicada dedicada a Lee "Scratch" Perry, nos trae una muy apetecible compilación de gran parte del material editado por The Uniques a finales de los sesenta. Al otro lado, en el africano tenemos cosas de Tirogo, Asmara All Stars o Witch, todas previstas para el próximo 26 de octubre. Como posdata añadir también que el pasado 12 de octubre Sony sacó una caja recopilatoria que recoge, a muy buen precio, grabaciones de los años dorados del sello CTI. Que siga la buena racha de novedades por mucho tiempo.

Reseña publicada en la web de Jazzitis:

Se podría decir que una de las pocas cosas que tienen formalmente en común las grabaciones que Hamid Drake edita a nombre de su grupo Bindu es que no se parecen en nada entre sí: en Bindu (Rogue Art, 2005) el baterista se rodeó de un nutrido grupo de saxofones (cuatro) para viajar de África a India; en Blissful (Rogue Art, 2008) lo hizo de dos guitarras, dos contrabajos y una vocalista y desarrolló música fundamentalmente improvisada, también muy imbuida de componentes africanos; Reggaeology, tercera grabación del grupo, sirve a Drake para dejarse llevar por los ritmos jamaicanos del reggae. Por Ricardo Arribas.

Lee aquí mi reseña y aquí la de Pachi Tapiz.

En la música jamaicana creada a partir del ska siempre ha habido, sobre todo en en el apartado instrumental, una querencia casi innata hacia músicas parientes cercanas creadas en el poderoso vecino del norte como el soul, el funk o el jazz. Precisamente de su relación con esta última procede el proyecto que en 1993 puso en marcha un músico proveniente del ámbito de los Jazz Warriors británicos, el contrabajista Gary Crosby, poniendo de relieve así sus antepasados jamaicanos. No en vano, sus mismos padres son oriundos de la isla caribeña y él es sobrino de, ni más ni menos que de Ernest Ranglin así que a la fuerza tenía que habérsele pegado algo. Como decía, el proyecto que Crosby lideró en 1993 fue el denominado Jazz Jamaica All Stars, una formación cuyo propósito fue el de mezclar, desde un principio, ritmos procedentes del país de Bob Marley como el mento, el ska o el propio reggae, con desarrollos basados en el jazz negro estadounidense. Para ello, Crosby reclutó a una pléyade de estupendos músicos como Rico Rodríguez de los Skatalites al trombón o Michael Rose de los Cymande en el saxo alto y la flauta, además de contar con otros activos importantes como el legendario Eddie "Tan Tan" Thornton en la trompeta. Sentadas estas bases, la banda se lanza a un repertorio basado en revisiones de clásicos del jazz como el "Barbados" de Charlie Parker, o la rebautizada "Skaravan", versión en clave ska del "Caravan" de Duke Ellington, alguna versión de temas de Don Drummond o los mencionados Skatalites y varios temas nuevos propios de la banda. Un grupo este que tiene dos partes bien diferenciadas. Por un lado se encuentra la sección rítmica liderada desde el contrabajo, como no, por el mariscal del combo, Gary Crosby, que se encuentra más escorada en la esquina más caribeña del asunto. Suyos son los ritmos que suenan a lo largo de todo el álbum, no sólo los derivados del ska, sino también los basados en el mento y los calipsos. Sobre este colchón es donde se aposenta la parte jazz del tinglado cuyo protagonismo corre a cargo de los metales que, cuando tocan a la par, desprenden un energía ciertamente revitalizante. Posteriormente a este trabajo, los Jazz Jamaica All Stars han publicado otros tres discos, igualmente recomendables, lo que ocurre es que este "Skaravan" fue el genuino,  el original, el que lo empezó todo. Una oportunidad fantástica para constatar que ninguna musica está lo suficientemente lejos de otra como para no darse la mano en alguna ocasión y para conocer a Gary Crosby, un músico extraordinario al que también puedes escuchar con su otra formación Nu Troop.

Los Skatalites son algo más que una simple banda. En Jamaica son una verdadera institución, calificativo, por otra parte, muy merecido dada su importancia en la creación del rocksteady y, sobre todo, del reggae que todo el mundo hoy conoce. Originalmente compuestos por Don Drummond (trombonista), Tommy McCook (saxo tenor y flauta), Roland Alphonso (saxo tenor), Lester Sterling (saxo alto), "Dizzy" Moore (trompeta), Lloyd Brevett (bajo) Lloyd Knibbs (batería), Jackie Mittoo (piano y hammond) y "Jah Jerry" Hinds (guitarra), hoy día siguen dando guerra aunque muchos de ellos hayan fallecido o sido reemplazados por otros músicos más jóvenes. Aquí tenéis una muestra de cómo lo siguen haciendo.

Ya estamos acostumbrados a la calidad de todo lo que publican estos de Soul Jazz Records. Ya sean recopilaciones funk, reediciones soul o tesoros de la música africana o caribeña, siempre dan en el clavo. Una de esas compilaciones, quizá una de las más aclamadas de los últimos años en su catálogo, fue la primera que sacaron en el año 2000 dedicada a Jackie Mittoo, una de las figuras clave de la música jamaicana en el tránsito del ska al reggae. "The Keyboard King At Studio One" recoge lo más granado del trabajo de este extraordinario teclista para Studio One, el sello y estudio del legendario Clement "Coxsone" Dodd, una especie de Berry Gordy a la jamaicana, que produjo durante aquellos años a los mejores artistas de la isla. A pesar de que Mittoo grabó y mucho como músico de sesión para cantantes y bandas vocales como Delroy Wilson, Ken Boothe o los Heptones, esta recopilación se centra en su trabajo en solitario, tomando prestadas composiciones de elepés tan destacados en su discografía como "Macka Fat" o "Jackie Mittoo Now" que se plasman en sonoridades que van desde el ska que practicó en sus comienzos con los Skatalites ("Killer Diller") hasta el reggae temprano de sus grabaciones de finales de la década de los sesenta y principios de la de los setenta pasando por el rocksteady intermedio. Ahora bien, lo que más caracterizó a Mittoo fue el caracter soul/funk que imprimió en todo lo que hizo, desmarcándose en ocasiones por completo de los sonidos de su Jamaica natal para acercarse al groove estadounidense realizado con el hammond a la manera que Jimmy Smith o Lonnie Smith estaban practicando en ese momento. Ejemplo de ello son temazos de la talla de "Get Up And Get it", "Hot Tamale" o el rompepistas "Juice Box", una canción que probablemente caerá en mi siguiente sesión. "The Keyboard King At Studio One" es, por tanto, una fantástica oportunidad para acercarse a uno de los personajes clave de nuestra música. Un tipo que bebía de muchas fuentes para unificarlas bajo un único concepto: la calidad y el saber hacer en todo lo que hizo. Gracias Jackie Mittoo por tantos momentos buenos.

Era 1973 y Jamaica se encontraba en pleno auge musical fruto de la mezcolanza de todas las músicas que habían explotado en los años anteriores. Una de las bandas clave de aquella culturalmente rica isla caribeña es Toots & The Maytals, formación liderada por Toots Hibbert, uno de los vocalistas más apegados al soul de aquellas latitudes, que ese mismo año sacó su "Funky Kingston", un trabajo cuyo tema homónimo se ha convertido, con el paso del tiempo, en clásico del reggae y que fue carne de cañón para que, en 2004, lo volvieran a grabar junto a The Roots y Bootsy Collins para uno de esos discos tributo que tanto venden. Buenísimo.

Últimamente estoy escuchando bastante música jamaicana fruto de la documentación que estoy leyendo acerca de la misma en internet y en publicaciones que he podido conseguir estos años de atrás. Ya sabéis, curioso que es uno. En este tiempo, ha habido grandes músicos que han pasado a ocupar un puesto importante en mis estanterías:pero uno de los que más disfruto es Alton Ellis, quizá mi vocalista favorito de la isla caribeña con permiso de Ken Boothe o Delroy Wilson. Según muchos, fue el cantante más importante de Jamaica hasta la llegada de un tal Bob Marley y desarrolló casi toda su carrera en la era del rocksteady cuando, en los sesenta, grabó en el sello Treasure Isle bajo el amparo del gran Duke Reid.

Disco recomendado: Cry Tough (Heartbeat, 1993)

El mundo de Bill Laswell es enorme. Yo todavía debo reconocer que no me he sumergido en él como debiera, pero no por falta de ganas ni por desidia, sino porque cuando a uno le interesan tantas cosas, musicalmente hablando, no da abasto ni temporal ni económicamente. El caso es que hace poco he recibido calentito en mi buzón una de sus muchas producciones, en esta ocasión su trabajo con Roots Tonic, una especie de Medeski, Martin & Wood del dub a la que se conoce por trabajar con Matisyahu, ese rabino loco que hace reggae. La formación en sí está formada por Josh Werner (bajo y teclados), Aaron Dugan (guitarra y efectos de sonido) y Jonah David (percusión y batería) y repasan con sonoridad reggae/dub un repertorio que ellos mismos se encargan de componer y dar forma. Sin embargo, el papel de Bill Laswell en la producción se antoja esencial. Me juego una mano y no la pierdo a que es el encargado de crear esas atmósferas entre lo electrónico y lo orgánico que sólo él sabe crear y que te trasladan donde él quiere cuando él quiere en todo momento. Claro, que en eso ayuda, y mucho, la sapiencia instrumental que demuestra este interesantísimo trío, con unas punzantes líneas de bajo que parecen llevar todo el peso del conglomerado, junto con el apoyo puntual de los característicos soniquetes reggae en teclados y guitarra y esa batería que úne fuerzas con el bajo para sacar adelante una rítmica apabullante que se mezcla con los ruiditos electrónicos que Dugan es capaz de llevar a cabo. "Roots Tonic Meets Bill Laswell" es un disco completamente instrumental pero que no se hace pesado en ningún momento para el poco versado en dub/reggae. En esto tiene algo que ver, aparte de que la música que contiene es de todo menos aburrida, la duración de los temas que en ningún caso superan los siete minutos de duración. Ya digo, aún me queda por explorar mucho universo Laswell así que este trabajo no sé si estará contemplado como uno de sus destacados. Lo que está claro es que la reunión entre músicos de primera y productor de primera en este caso si que ha funcionado y de qué manera. Un notable alto para estos cuatro mosqueteros.

Soulive sacaron en 2007 un trabajo llamado "No Place Like Soul" que traía como invitado especial en gran parte de los temas un vocalista muy interesante llamado Toussaint (no confundir con Allen Toussaint). Pues bien, ahora este cantante saca su, que se sepa, primer trabajo. Se llamará "Black Gold", traerá una mezcla entre reggae y soul  (Yo ya lo tengo y suena muy muy bien) y, aunque de momento sólo está a la venta en Itunes, se espera que esté en tiendas pronto. Os dejo el vídeo del primer single extraído del mencionado álbum. Se llama "Be You" y suena así.

Ese es el nombre de un documental que ha estado dando la vuelta por distintos festivales de cine y que este año ha llegado al Festival de Cine de Gijón. Está dirigido por el director suizo Stascha Bader aunque se trata de una coproducción entre Suiza y Canadá y se realizó para conmemorar el 46º aniversario de la indepencia de Jamaica. En él podemos ver a gente como Ernest Ranglin, Sly Dunbar o Bongo Herman, entre otros, por lo que debe ser muy interesante. Os dejo por aquí la sinopsis y el trailer para que vayáis abriendo boca.

Lo primero que uno piensa cuando ve por primera vez la portada de este "Faso Kanou" y las pintas de su protagonista, el francés Manjul, es: "este tío está grillao". Es uno de tantos prejuicios que, supongo que inevitablemente, rondan nuestra cabeza, pero lo cierto es que esta es de esas veces en las que luego te alegras de haberte equivocado pues lo que esconde detrás ese aspecto de paria despistado y andrajoso es realmente un excelente músico, multinstrumentista y compositor con alma africana y jamaicana y un bagaje espectacular en cuanto a reggae, dub y música africana se refiere. Con estas palabras ya os digo implícitamente que este primer trabajo de Manjul, llamado "Faso Kanou" (Primer volumen de la serie "Dub To Mali") y publicado en 2005 nos trae una jugosa y maravillosa mezcla entre ritmos nyabinghi, ska, reggae, dub y música tradicional africana con influencias derivadas del jazz, del soul, del blues y del gospel. A ello contribuye la utilización de instrumentos clásicos de, sobre todo, Mali, uno de los países musicalmente más ricos del continente negro, como koras, n'gonis y demás utensilios de sobra conocidos por todos y que, según el propio Manjul, luchan entre ellos, nos hablan y nos enseñan que, probablemente, la música más pura jamás creada es la que corresponde al continente africano. Lo primero que llama la atención al leer el libreto que acompaña esta obra es la capacidad del músico francés para tocar diversos instrumentos. En este álbum, por ejemplo, le vemos presente en los bajos, la batería, el órgano, el piano, el clavinete, el rhodes, las guitarras y la percusión, lo que representa un auténtico hombre-orquesta a lo Prince. Una vez comprobadas estas cosillas, nos metemos en harina poniendo el disco a girar en nuestro reproductor y ¡ay madre!, la música que suena aquí, regada con una excelencia instrumental espectacular, es de otro mundo. Tenemos, sobre todo, ritmos reggae y dub, arreglados por instrumentos de corte africano. No hay mucho más que añadir. El resto se descubre sólo escuchándolo bien atento, eso sí. Así que, ya sabéis, si disfrutáis con los ritmos jamaicanos y además os atraen los sonidos africanos, ya podéis agenciaros esta pequeña maravilla. Enseguida pensaréis que como habéis podido vivir sin ello.

Como ya he dicho en multitud de ocasiones, Hamid Drake es el batería, y quizá el músico, que más me ha impresionado ver en directo. Considerado desde los noventa como uno de los mejores percusionistas de su tiempo y con su característico arsenal de ritmos y polirritmos procedentes de todas y cada una de las partes del mundo, Drake se ha encargado de crear en un servidor un interés casi obsesivo en todas las grabaciones donde él está presente. A estas alturas de año, todavía no me había parado a escuchar su último proyecto como líder enmarcado en su serie con el colectivo Bindu, una maravilla publicada por el sello francés Rogue Art llamada "Reggaeology" que, como su propio nombre indica, está dedicada a la música jamaicana por excelencia. Sin embargo, me quedaría demasiado corto y estaría faltando a la verdad si sencillamente afirmo que este "Reggaeology" es "sólo" un disco de reggae. ¿Conocéis el término Great Black Music por aquí expuesto varias veces, no?, pues eso, este trabajo es todo un ejemplo de esa cosa maravillosa que mezcla un verdadero batiburrillo de ritmos y melodías procedentes de los rincones más negros y con más enjundia y cuerpo del planeta. Sentadas estas premisas, toca fijarse en los músicos, ¡y vaya músicos!. A Hamid Drake en la batería, los panderos, la tabla y sus pinitos en las voces se le únen el rapper y beatboxer, integrante de los IsWhat?!,  Napoleon Maddox, Jeff Parker en la guitarra, Jeff Albert al trombón y al hammond, Jeb Bishop también al trombón y Josh Abrams al contrabajo y al guimbri, estos últimos primeros espadas de la actual escena jazzística y vanguardista de Chicago, lo que corrobora, una vez más, que para llegar al free jazz hace falta impregnarse de cuantas diversas músicas sea posible. Sólo es necesario escuchar el primer corte del disco, una maravilla llamada "Kali's Children No Cry" de más de 19 minutos de duración, donde se alternan unos solos escalofriantes por parte de todos y cada uno de los músicos que integran el plantel con partes más extremas que rozan la libre improvisación. Pero no os asustéis los que no estéis acostumbrados al jazz más free, porque éste está acotadísimo y sólo se recurre a él cuando la ocasión así lo requiere. No estorba, enriquece. Por lo demás, y como no, todos los músicos están tremendísimos, con especial mención, claro está, para un Hamid Drake que apabulla de lo bueno que es. Indescriptible con palabras lo que puede llegar a hacer este hombre. "Reggaeology" salió en enero pero en diciembre, cuando haya que hacer la lista de los mejores del año, estará, a buen seguro, en los puestos de cabeza. Una obra maestra de la Great Black Music contemporánea y un disco fantástico para aquellos que quieran acercarse a la música del que ahora mismo es uno de sus representantes más imprescindibles y destacados.

Marlena Shaw y su "Woman Of The Ghetto" es un clásico del sonido soul/funk procedente del gueto negro estadounidense de los años setenta, un tema con el carisma natural que esta mujer era capaz de otorgar a todo lo que cantaba, ya fuera soul, jazz o blues y un apartado instrumental fuera de serie. A lo largo de la historia se ha versionado varias veces. Una de las revisiones más conocidas es la de Doris Duke que abrió su disco de 1975, "Woman", con esta canción. Asimismo, otra versión curiosa es la de Phyllis Dillon, en clave reggae.

Cuando uno se da una vuelta por las tiendas y centros comerciales, incluso mercadillos, no deja de ver clichés, absurdos o no, sobre la cultura jamaicana. Al menos, un servidor, ya está un poco harto de que se asocie siempre el mismo estereotipo basado en los canutos y en las rastas a una cultura que ha parido, entre otras cosas, una música tan maravillosamente rica como el reggae. Vale, quizá la portada del disco que estáis viendo a la derecha de este texto no me ayude mucho en mi tesis pero lo que sí es cierto es que el reggae es mucho más que porros y marihuana. Un género que tiene entre sus filas a gente como Abyssinians, The Congos, Peter Tosh, Chinna Smith, los hermanos Barrett, Toots & The Maytals, Skatalites o Burning Spear no debe ser considerado un estilo menor. Si ya con estos artistas, el reggae podría ser perfectamente un estilo más valorado de lo que normalmente es, imaginaos si en este conjunto incluímos también a Bob Marley, el más importante y transcedente de los músicos de reggae y uno de los artistas más conocidos, influyentes y polémicos del siglo XX cuya genialidad se plasmó en los setenta en varios trabajos imprescindibles. La concatenación de obras maestras como "African Herbsman", "Natty Dread", "Burnin'" o "Exodus" le valió un sitio a nivel internacional. Su primer disco oficial, "Soul Rebels", ya con sus Wailers de siempre, data de 1970, pero el comienzo de su leyenda comienza tres años después. "Catch A Fire" es publicado en 1973 y con él, canciones de la talla de "Concrete Jungle", "No More Trouble", "Slave Driver", "Kinky Reggae" y ese "Stir It Up" presente en cualquier recopilatorio serio del artista jamaicano. Las letras políticamente rebeldes y una tremenda y minimalista instrumentación a cargo de extraordinarios músicos como los citados hermanos Barrett en esa rítmica excepcional que tanto ha caracterizado a la música reggae, Bunny Wailer con sus abrasivas percusiones o el mismísimo Peter Tosh en los teclados (y voz en dos temas) son también méritos a tener en cuenta en la compra de un álbum ya mítico en la música con alma del pasado siglo. En BSH nos estábamos quedando cortos en cuanto a reggae se refiere. Lo sentimos en el alma por llegar tarde pero qué mejor manera de comenzar un periplo jamaicano, que esperamos que tenga mucho recorrido, que con el rey del movimiento. Jah ya puede quedarse tranquilo.

Ya tocaba acercarnos a Jamaica para rescatar a una de las figuras clave para comprender la maravillosa música allí practicada. No sólo hablo del reggae, su estilo más conocido, sino también de ritmos primigenios como el mento, el nyahbinghi, el ska o el rocksteady que tanto influyeron en la formación de aquel. Pues bien, todos estos géneros son los que aglutina la figura que os comento anteriormente. Me estoy refriendo a Cedric 'Im Brooks, uno de los grandes músicos, a menudo olvidados, de la isla caribeña que, además, se encuentra de plena actualidad dada la reedición de algunas de sus obras en los últimos años como su disco con la Divine Light Band, "From Mento To Reggae" o la esplendida recopilación que recoge sus grabaciones con los Light Of Saba. Una explosión de ritmo en toda regla. Imprescindible para comprender mejor todo el espectro que recorre la Great Black Music.