Desde hace unos años asistimos, desgraciadamente, a un preocupante declive de aquel esperanzador movimiento que, a mediados de los noventa, trajo algo de luz a la música negra hecha por aquel entonces y que muchos quedaron en llamar neo-soul. Es una pena que, sólo quince años después, músicos y artistas que comenzaron con buen pie estén torciendo sus carreras en pos de una mediocre comercialidad que les haga permanecer más tiempo en las listas de éxitos, objetivo totalmente legítimo si no trajera consigo esa acuciante falta de ideas de la que, en muchas ocasiones, adolecen de forma desesperante. Uno de los casos más flagrantes y claros de los últimos años es Musiq (Soulchild) que, tras su tercer trabajo, comenzó una caída cuesta abajo y sin frenos que le llevó a publicar, a pesar de su consabida clase, verdaderos atentados contra el buen gusto. Ahora nos trae su última propuesta llamado "Musiqinthemagiq", sexto trabajo de estudio en su haber. En él prosigue con su habitual mezcla entre soul y hip-hop esta vez con un deje ochentero en algún tema pero que sigue sin convencer lo más mínimo. Y es una pena porque vocalmente puede que estemos ante uno de los cantantes con más categoría y estilo que existen actualmente en el mercado, factor este que no vale para nada si no te dejas acompañar de unas producciones frescas que traigan consigo unos arreglos instrumentales mínimamente interesantes y que no se limiten a tirar del mero beat repetitivo, sincopado y electrónico en el que caen el 95% de producciones del ahora denominado arenbí. Otra oportunidad desperdiciada para el de Philly, y van ya unas cuantas, lo cual no quiere decir que, en posteriores entregas, nos depare alguna agradable sorpresa. Potencial tiene, otra cosa es que lo utilice. En fin, que según van llegando a mis oídos cosas como estas, más deseo que vuelva D'angelo para poner las cosas en su sitio.

Reseña publicada originalmente en el número 5 de la revista Acidconga.

Artículo publicado en el blog "La Ruta Norteamericana" del diario El País:

Antes de la llegada de Elvis Presley, el rock’n’roll tuvo magníficos pioneros del R&B. Uno de esos padrinos del primer rock fue Louis Jordan, que marcó con su ritmo abundante en metales todo un cancionero exuberante. Este músico no es uno más para una discoteca, al contrario, es uno de esos imprescindibles, maravillosos emprendedores para el desarrollo de la empresa del rock. Por Fernando Navarro.

Lee el artículo completo aquí.

Existen determinados artistas que tienen reeditados en formato CD demasiados pocos discos con respecto a su transcendencia. El caso más flagrante que se me viene a la cabeza en este momento es James Brown, pero también hay féminas y, en ese campo, Etta James es una de las destacadas, a pesar de sus muchas recopilaciones publicadas. Pues bien, ¿no quería café?, pues toma dos tazas: en octubre salen reeditados dos de sus discos más destacados grabados, en su momento, para el sello subsidiario de Chess, Cadet. Por un lado, el 4 octubre ve la luz "Call My Name" (1966) y, por otro, el 31 de octubre, tendremos a la venta "Losers Weepers" (1971). ¿La responsable de estas magníficas y deseadas reediciones?, la discográfica británica Kent, punta de lanza de este tipo de lanzamientos en Reino Unido. Me los pido.

Artículo publicado en el diario El País el 24/01/2011:

El sábado 22, Sam Cooke hubiera cumplido 80 años. Oigo la respuesta: ¿Sam qué? Simplificando, la voz más cálida, más dúctil, más emocionante del siglo pasado. Escucharle es como paladear chocolate caliente derramado sobre un helado: un torrente de dopamina. Por Diego A. Manrique.

Lee el artículo completo aquí.

Dirigido y escrito por Bill Guttentag y Dan Sturman y producido por Danny Glover, en 2009 vio la luz un documental llamado "Soundtrack For A Revolution" ("Banda sonora de una revolución") que ha recorrido en 2010 los festivales de cine más prestigiosos e importantes llegando incluso a Cannes y San Sebastián. Su temática es sencilla, trata del movimiento por los derechos civiles y del poder que la música afroamericana insufló en él. De todos modos, por mucho que diga, no se puede describir exactamente sólo con palabras. Tan solo mirad  el cartel, contemplad estos vídeos y comenzad a salivar como condenados...

Matrimonio polémico donde los haya, Ike y Tina Turner fueron, artísticamente hablando, una de las mejores duplas del soul y del R&B hecho en la década de los sesenta. Ella una vocalista con una fiereza y una fuerza fuera de lo común, él un cerdo como persona, pero un brillante compositor, músico y arreglista. En 1960, la pareja sacó un primer elepé, "Soul of Ike & Tina Turner", que traía como segundo corte esa pedazo de canción que es "I Idolize You" con las Ikettes haciéndole el juego a la maravillosa voz principal de Tina. Temazo que, hace tan solo dos años, se atrevió a versionar Lizz Wright en su "The Orchard" con un tempo más lento de aires bluesies.

Tal día como hoy de hace 84 años (1926) venía al mundo, en Carolina del Norte, John Coltrane. Sólo cuatro años más tarde, en 1930, hizo lo propio Ray Charles Robinson en Albany, Georgia. Aunque ya no estéis, espero que os lo estéis pasando pipa ahí arriba celebrando los dos cumples a la vez. Muchísimas felicidades a los dos desde el reino de los mortales.

Donald Harrison se hizo famoso en los años ochenta cuando formó parte de los Jazz Messengers de Art Blakey y cuando lideró, junto a Terence Blanchard su propia banda. A partir de ahí, este saxofonista oriundo de Nueva Orleans, ha venido sacando sus propias propuestas en diferentes sellos, unas más acertadas que otras pero siempre con algo que ofrecer. En 1992 y bajo el paraguas de Candid, se unió al Dr. John para lanzar un trabajo denominado "Indian Blues" en el que se ponía de manifiesto una extraordinaria mezcla entre bop y el R&B de la ciudad más importante del estado de Louisiana. Para ello, y además de contar con las puntuales y siempre divertidas aportaciones vocales del mencionado  Dr. John, además de de su pianismo, fue flanqueado por una excelente banda liderada por el excelso pianista Cyrus Chestnut, un curtido bateria neobopper, Carl Allen, Phil Bowler al contrabajo y Bruce Cox y Howard Smiley Ricks en las continuadas, inverosímiles y protagonistas percusiones que llegan incluso hasta botellas de Coca-Cola (Lo detalla en el libreto). También tenemos presente al padre de Donald Harrison, Donald Harrison Sr., que pone su granito de arena con vocales puntuales. Pero vayamos a la música que contiene este "Indian Blues". Harrison toca aquí su alto con un deje más R&B que de costumbre, las percusiones hereditarias de África se suceden en todo momento y las intervenciones de los pianos de Dr. John y Chestnut suenan más blues que nunca. Por lo tanto, tenemos jazz, tenemos soul, y R&B, tenemos elementos autóctonos de Nueva Orleans y tenemos cadencias africanas con sus correspondientes preguntas y respuestas en forma de coros. Precisamente así comienza el álbum con ese maravilloso "Hu-Ta-Nay" que invita al baile más desenfadado y primitivo, para sumergirse a continuación en un extraordinario "Indian Blues", alternando posteriormente melodías típicas de aquella mítica ciudad, con aportaciones jazzísticas de claro escoramiento R&B e incluso con tiempo para clásicos como "Cherokee" o "Big Chief". Un tremendo trabajo que, a pesar de su horrenda portada, se sobra y se basta él solo para mostrarnos, con mucho ritmo, toda la riqueza musical y el encanto que posee esta querida población del sur de los EEUU. Desde mi punto de vista, uno de los mejores trabajos que podemos encontrarnos en su estilo en los últimos años.

Podéis escuchar un extracto de cada canción aquí.

Cortesía de mela, el otro día pudimos disfrutar, si vistéis el enlace que dejó en el cuadro de comentarios, de un sublime directo de este conocidísimo trallazo que un día en 1965 nos brindará Junior Walker dentro de su álbum homónimo para Motown. Junto con la fantástica "Cleo's Mood" y el también bailongo "Do The Boomerang", quizá mi favorita de este vocalista y saxofonista a menudo olvidado, pero que podemos comprobar en el vídeo como se las gastaba en directo junto a sus Allstars. Para superar cosas como esta hace falta tocar mucho mucho mucho...

P.D: Mis agradecimientos de nuevo a mela por compartir estas cosas en este blog y no en otro. Un abrazo.

Había una época, hace ya muchos años, en la que mucha de la música comercial tenía calidad. El mal llamado arenbí que surgió a finales de los ochenta como híbrido entre el soul, el hip-hop y el funk sintético vivió una época dorada con canciones sencillas y pegadizas pero que tenían mucho encanto. Uno de mis temas favoritos de aquella época viene de parte de una cantante que ahora mismo no me interesa nada. Es Brandy, que, con sólo 15 años, lanzó su álbum debut homónimo que tenía cosas con cierta clase. La canción que os digo es "I Wanna Be Down", pero no la original sino el remix junto a MC Lyte, Yo-Yo y Queen Latifah. Una exquisitez.

Últimamente el término rock & roll se ha desvirtuado tanto que parece que todo el mundo es capaz de tocarlo y salir indemne del intento, pero lo cierto es que sólo unos cuantos elegidos son los originales, los que pusieron los cimientos para que luego llegara todo lo que vino posteriormente. Allí a finales de los cuarenta y en los cincuenta estaban Ray Charles, James Brown, Jerry Lee Lewis, Bo Diddley, Fats Domino y Little Richard además de otros destacados como Chuck Berry poniendo la banda sonora a la vida de muchos mortales que bailaban al compás de sus pedadizas y movidas melodías. Os dejo un vídeo que reúne a todos estos monstruos excepto a Chuck Berry (le dedicaré otra entrada a él solo) encima de un escenario. Dicen que la experiencia es un grado y aquí se pone de manifiesto.

Ayer, preparando las canciones de la boda de un buen amigo que se casa este viernes, recordé un tema que se puso de moda cuando yo tenía unos cinco o seis años allá por mediados de los ochenta. Recuerdo que el vídeo estaba totalmente hecho con figuras que parecían de plastilina y que, por aquella época, toda mi familia se preguntaba: "¿Cómo harán estos efectos?". El tema en sí era el "Reet Petite" de Jackie Wilson, canción con la que debutara este gigante del soul, del R&B y del pop negro allá por el año 1957, pero que, sin embargo, y gracias a este videoclip, arrasó las listas europeas casi treinta años después de su publicación oficial. Pura dinamita bailonga con mucho aire doo-wop. Por cierto, en el vídeo aparece cortada la canción. La original duraba 2'40. Os la dejo también.

Hace como una semana pusieron en la tele "Ray", el biopic que, hace unos años, hicieron sobre la vida y obra de Ray Charles. La volví a ver entera y ya van unas cuantas a pesar de que siempre me paso toda la película con la lágrima fácil. Eso mismo le pasó a mi madre que todavía no la había visto y que luego me contó por teléfono que no había parado de llorar en toda la película. Y es que de alguna parte tenía que sacar yo mi amor por todo lo afro. Bueno, el caso es que volvió a sonar la que, para mi, es una de sus cumbres, ese maravilloso R&B llamado "(Night Time Is) The Right Time" que el genio invidente borda junto a Margie Hendricks, esa amante despechada que aquí canta con una fiereza fuera de lo normal desde lo más profundo de sus entrañas. Para poner del revés a más de uno.

Mac Rebennack, más conocido como Dr. John, es uno de los músicos más importantes de Nueva Orleans. Con esa particular voz que siempre ha caracterizado su música, siempre ha repartido generosas porciones de soul, R&B y funk mezcládonlas con jazz y ritmos de su ciudad natal, todo con un puntito de locura Mardi Gras, que, dicho sea de paso, nunca está de más. El caso es que después de sacar un gran primer álbum en 1969, el Doctor cayó en las redes de la comercialidad en sus siguientes discos a los que invitó a los músicos británicos que estaban de moda por aquel entonces, con el insufrible Mick Jagger a la cabeza. Después de unos años de bajón creativo, Dr. John volvió al redil y publicó obras maestras como "Dr. John's Gumbo" (1972) con Harold Battiste por detrás o su conocido "In The Right Place" (1973) ya con los Meters como banda de fondo y Allen Toussaint como pianista, productor y arreglista. En esta misma onda y con este mismo plantel mimándolo a base de bien, el Doc saca en 1974 otro disco descomunal llamado "Desitively Bonnaroo" con un sonido directo muy funk que se desarrolla sin paliativos y en el que destaca esa apabullante dupla rítmica que forman George Porter jr. al bajo y Ziggy Modeliste en la batería sin menospreciar, claro está, la guitarra hipnótica de Leo Nocentelli y el hammond de Art Neville además del piano del propio Dr. John que también toca guitarras en algún momento. Mención aparte merece el siempre extraordinario y eficiente Allen Toussaint que además desarrolla una labor clave en la producción y los arreglos con ese sonido marca de la casa que siempre suele imprimir a sus creaciones. Y es que todo lo que toca este hombre es sinónimo de calidad. ¡Y qué calidad tenemos aquí!. Ya sólo por como abre con ese estratosférico "Quitters Never Win" merece la pena, pero es que sigues escuchado y te encuentras como obras de arte como "What Comes Around (Goes Around)", "Mos' Scocious" o el tema homónimo que cierra el elepé "Desitively Bonnaroo". Como para no parar de gozo en todo lo que dura el álbum. Son grabaciones como esta las que hacen que este mundo de la black music merezca la pena. Un 10.

El genio de Ray Charles es tan extenso que es capaz de salir airoso en la interpretación de toda clase de estilos. El que nos ocupa en este comentario es un disco grabado con arreglos cercanos al jazz y al blues, llevados a cabo por el inestimable Quincy Jones en las seis primeras canciones, y donde podemos encontrar músicos pertenecientes a las bandas de Count Basie y Duke Ellington. La segunda parte está realizada sobre un colchón de cuerdas que otorga a la voz de Ray un carácter meloso y triste ideal para una tarde lluviosa. Ejemplos como “Let the good times roll” o “Come rain or come shine” así lo certifican y sacan a relucir ese genio que menciona el propio título del disco.

Hace poco, en relación a la entrada que dediqué a la serie "Tremé", hablé de John Boutté, el vocalista encargado de abrir con su tema homónimo cada capítulo. El caso es que este hombre es uno de los secretos mejor guardados de la ciudad del Mardi Gras que incluso maravilló a san Stevie Wonder cuando, en una jam sessión, éste quedó absolutamente prendado con su voz. A pesar de lo que pueda parecer y de su poca repercusión mediática, John Boutté tiene varios discos en solitario en los que mezcla sonidos de su Nueva Orleans natal con soul, R&B, gospel, blues y jazz. No en vano, ha participado también en los últimos proyectos de gente como John Scofield o la banda de Stanton Moore, Galactic. Sin embargo, uno de sus trabajos más redondos proviene de una colaboración. Y es que en 2003 se reunió con la banda folk/country Uptown Okra para grabar y publicar "Carry Me Home", un álbum escondido y difícil de conseguir hasta que Cdbaby escuchó mis plegarias y lo incorporó a su catálogo. La banda en sí está formada en su núcleo por Danny Devillier (batería), Sam Price (bajo, coros), Brian Siegel (guitarra, coros) y Nick Backer (mandolina, coros) apoyados en algún tema por Tim Green a los saxos y Matt Rhody al violín. Todos tocan de miedo con especial mención para el bajo de Sam Price y la guitarra de Brian Siegel que están soberbios a lo largo de todo el álbum. Pero el rey aquí no es otro que el mencionado John Boutté. Parece mentira como es capaz de cantar este hombre. Con unos guiños que recuerdan a Sam Cooke pero con un timbre más áspero, Boutté otorga un halo espiritual oscurísimo a una música que, a priori, no parece corresponder al espectro negro, aunque sobre esto se podría discutir largo y tendido. Total, que tenemos country y folk, si, pero revestidos de blues, gospel y R&B. Vamos, una maravilla que suena cercana a la perfección. "Carry Me Home" supone pues uno de las incursiones más laureadas cualitativamente hablando de John Boutté, un cantante que, de existir la justicia en el mundillo musical, debería ser muchísimo más conocido, al menos en su país.

Fue la banda oficial de estudio de Stax y sirvió como background para gente como Otis Redding, Wilson Pickett, Carla Thomas o Albert King. Estoy hablando de la formación del organista Booker T. Jones que, junto a Steve Cropper (guitarra), Donald "Duck" Dunn (bajo) y Al Jackson (batería), formó uno de los combos más importantes del soul hecho en los sesenta, Booker T. & The MG's. Debutaron con un disco llamado "Green Onions" en 1962 que traía una canción con el mismo nombre que puede ser considerada una de las cumbres del soul instrumental con raíces, eso sí, en el blues y el R&B. Una bomba de relojería. ¡Ah! y Cropper se sale.

Lo resumiré en pocas palabras porque dada la magnitud del vídeo no es necesario más. La primera versión de "Night Train" por Jimmy Forrest fue un éxito en las listas de R&B de 1952 llegando a ser número uno. Diez años después llegaría James Brown para hacer esto con la misma canción. Sin palabras.

Bajo este título se esconde una serie de 6 documentales de cerca de una hora de duración cada uno sobre la historia de la música popular negra. Yo todavía no los he visto. Posiblemente tendrá algún sesgo que otro, sobre todo desde los noventa para acá, pero os dejo la descripción que he encontrado por ahí para vuestra infromación:

Seguid cotilleando si queréis ver todos los capítulos, uno por uno. ¡Ah! y comentadlos luego, ¿eh?.

Hace algunos años un anuncio de una conocida marca de cola representaba la atracción sufrida por un grupo de administrativas de mediana edad ante uno de los macizos reponedores de esta bebida que en medio de la oficina mostraba su torso desnudo. Esta tórrida escena se desarrollaba con una canción de Willie Dixon de fondo: la famosa "I Just Want To Make Love To You" que ha cantado muchísima gente a lo largo de la historia de la música pop, blues y jazz. Sin embargo, la versión del anuncio estaba interpretada por una voz femenina atípica que cantaba casi sin vibrato, de una forma cruda al estilo del primer R&B de los cincuenta y con una gran carga emocional procedente del doo-wop de dicha época. Etta James cantaba así y, cuando supe que era ella la que estaba detrás de esa célebre versión, me ví obligado a comprar ipso facto su "At Last", su debut en solitario para la prestigiosa casa Chess, que le supuso gran éxito y reconocimiento pues, para ampliar el mercado y llegar al máximo público posible, James contó con un conjunto de cuerda que amortiguaba su profunda voz deudora del blues más ortodoxo. De esta manera, su ópera prima puede ser considerada sin ningún tipo de tapujo un híbrido entre un lujoso pop y un R&B preciosista y elegante pero a la vez nostálgico y desnudo. Por lo demás, todo lo que al repertorio le falta en originalidad (estándars del blues, R&B y jazz), le sobra en sentimiento y compositores como Harvey Fuqua (componente de los Moonglows y su pareja por aquel entonces con el que canta a dúo en algún corte), Berry Gordy, cabeza visible de Motown o el mencionado Willie Dixon ayudan a conseguir que este álbum sea lo que es: un imprescindible. Elegido en el puesto 116 del ranking de 500 discos que la revista Rolling Stone seleccionó hace unos años, "At Last" no puede faltar en una colección de música negra como la tuya.